Pubblicato il 04 Dicembre 2023 Andata in scena a Rovigo in prima assoluta in epoca moderna l'opera di Giovanni Alberto Ristori Pigmalione cattura l'attenzione servizio di Athos Tromboni

ROVIGO - Il 16 ottobre 1714 il poeta e librettista veneto Francesco Passarini (da non confondere con l'omonimo compositore bolognese vissuto nel secolo precedente) scrisse una dedica al Podestà di Rovigo: «... Eccellenza, è un debito indispensabile del mio reverendissimo ossequio il consacrare alla grandezza di Vostra Eccellenza questo mio Drama, & un'intercessione della sua felicità l'andare insignito del vostro gloriosissimo Nome...» Ecco, la dedica al potente era fatta, come era d'uso all'epoca, e presentava le sue "umilissime, devotissime, servilissime" disponibilità alla captatio benevolenza per il proprio dramma gioioso (opera buffa, si direbbe oggi): il Pigmalione che «... in soli sedici giorni si è posto in ordine ... la virtuosa idea del signor Giovanni Alberto Ristori, che l'ha musicato in tempo sì ristretto...» La prima esecuzione assoluta andò perciò in scena nel Teatro Manfredini di Rovigo proprio nel 1714, con successo e ammirazione della nobiltà e della borghesia polesana (c'è da presumerlo...) e contribuì alla fama prima nazionale e poi europea del compositore Giovanni Alberto Ristori. Dramma gioioso barocco, dunque, che il Teatro Sociale di Rovigo ha allestito come "prima assoluta in epoca moderna". Facciamo un passo nella letteratura d'epoca; Pigmalione è un personaggio del mito greco. Re di Cipro secondo lo scrittore Arnobio (vissuto nel terzo secolo dopo Cristo) differisce dal personaggio raccontato da Ovidio("Le metamorfosi", ) dove si narra che Pigmalione era uno scultore che aveva modellato nell'avorio un nudo femminile: perdutamente innamoratosi della propria statua, l'aveva ritenuta l'espressione più alta della femminilità, superiore a qualunque donna anche in carne e ossa, tanto da dormirle accanto nella speranza che un giorno si animasse. Sempre secondo Ovidio, fu in occasione delle feste rituali in onore di Afrodite che lo scultore si recò al tempio della Dea e la pregò di concedergli in sposa la statua creata con le sue mani, rendendola una creatura umana: la Dea acconsentì. Egli stesso vide la statua lentamente animarsi, respirare e aprire gli occhi. Pigmalione e la donna uscita dalla statua si sposarono ed ebbero una figlia, Pafo, che diede successivamente il suo nome all'omonima città di Cipro, famosa per un tempio dedicato ad Afrodite. La statua, priva di nome nel mito, è stata denominata da autori moderni (dal XVIII secolo in poi) Galatea. E ritorniamo alla cronaca odierna: l'opera di Ristori e il libretto di Passarini fanno riferimento alla vicenda raccontata da Ovidio; complicando un po' le cose, perché qui lo scultore Pigmalione è amato e conteso da due fanciulle, Eburnea e Isifile, a loro volta amate da Elviro e Laurindo. Sarà Eburnea ad avere la meglio, sostituendosi furbescamente alla statua, per la disperazione dell'amante Elviro abbandonato, la gioia dello scultore Pigmalione che potrà sposarsi con una donna in carne e ossa, e la rassegnazione di Isifile che dovrà accontentarsi di Laurindo. L'allestimento rodigino è stato affidato per scene e costumi e Matteo Corsi e a Eleonora Nascimbeni, vincitori del 1° Concorso di Scenografia dedicato al compianto Gabbris Ferrari, grande pittore, scenografo e regista del capoluogo polesano. La regia è stata curata a Federico Bertolani.   Abbiamo assistito a un piccolo capolavoro di scene, costumi e luci. Abbiamo applaudito una messa in scena accattivante, ben condotta, precisa e senza orpelli parainterpretativi, dove la commedia è stata commedia, la favola è stata favola e l'ingegno è stato indirizzato con intelligenza alla semplicità pastorale che presumibilmente aveva animato nel Settecento sia il librettista che il compositore. Lo spettacolo ha catturato il pubblico, che ha seguito con attenzione e divertimento tutta la recita. Fondali e quintine di teli e pannelli dipinti? Sì. Fantasmagoria di cromìe pittoriche? Sì. Gioia per l'occhio e per lo spirito? Sì. Abbondanza di fiori multicolore e verdissimi arbusti per un effetto caleidoscopico? Sì. Alla riuscita hanno contribuito anche Bernardo Ticci che ha curato la trascrizione musicale; e Marco Schiavon responsabile della revisione drammaturgica. Sotto l'aspetto musicale va lodata la bella prestazione di Bruno Taddia nel ruolo di Pigmalione: voce morbida e intonazione ottima, recitazione da aedo del classicismo ellenico. Bravissime sia il soprano Silvia Frigato (Eburnea) che il mezzosoprano Marina De Liso (Isifile) interpreti specializzate nella vocalità barocca e preromantica. Eccellente il contratenore Nicolò Balducci (Elviro) che ha stupito e sedotto per l'intonazione perfetta, il legato meraviglioso e il gesto scenico elegante ed espressivo. Un po' meno seducente la prestazione dell'altro contratenore, Antonio Giovannini, che ha vestito i panni di Laurindo, Una licenza, geniale e condivisibile, è stata quella del regista Federico Bertolani che ha messo in scena un personaggio extratestuale, col compito di recitare la parte del Podestà di Rovigo destinatario della dedica del poeta Francesco Passarini: in questa parte del tutto originale si è districato molto bene e in maniera simpaticissima l'attore Giulio Canestrelli. Sul podio dell'ensemble "L'Arte dell'Arco" (che ha eseguito con strumenti d'epoca), era il maestro Federico Guglielmo, che oltre a dirigere l'orchestra ha eseguito come violino concertante alcune pagine della partitura di Ristori. Poco pubblico ma calorosissimo e prodigo di applausi anche a scena aperta. Applausi meritati. (la recensione si riferisce alla recita di domenica 3 dicembre 2023) Crediti fotografici: Valentina Zanaga per il Teatro Sociale di Rovigo Nella miniatura in alto: l'ottimo Bruno Taddia (Pigmalione) Sotto, in sequenza: Giulio Canestrelli (il Podestà); Silvia Frigato (Eburnea) e Antonio Giovannini (Laurindo); ancora Silvia Frigato; Nicolò Balducci (Elviro); Silvia Frigato e Bruno Taddia; Marina De Liso (Isifile) Al centro, in sequenza: Nicolò Balducci, Marina De Liso, Antonio Giovannini; Silvia Frigato, Marina De Liso, BrunoTaddia In fondo: i protagonisti e la statua (panoramica) Condividi

Pubblicato il 06 Novembre 2023 Discutibile 'modernizzazione' del regista Montavon per la terza opera di Giacomo Puccini Des Grieux non dà l'acqua a Manon servizio di Rossana Poletti

TRIESTE - Teatro Verdi. La Manon Lescaut di Giacomo Puccini, in scena in questi giorni al Teatro Verdi di Trieste, avrebbe potuto essere rappresentata come concerto sinfonico, togliendo cantanti, coro, comparse e tenendo solo la musica. A ragione si afferma da parte degli autorevoli critici musicali che questa è un’opera “sinfonica”. Resta il fatto che la trama si regge anche su un racconto, che Puccini stesso disegnò peraltro in modo diverso dal suo contemporaneo Massenet, e che questo racconto è dato dal testo delle arie e dai cantanti che le eseguono, dalla loro espressività. E magari ogni tanto sarebbe piaciuto sentire i cantanti che non si dovessero sgolare per superare il fragore dell’orchestra, diretta da Gianna Fratta, perché la Manon è un’opera sinfonica. Niente da dire, l’orchestra del lirico triestino è stata splendida rendendo mirabilmente la perfetta costruzione musicale del compositore di Torre del Lago, esaltando la componente drammatica dell’amore di Manon, che non concede elementi consolatori alla luce di un esito pessimistico della vita della giovane. Puccini ricalcherà il modello di questa sua prima vera opera nella produzione successiva con i motivi conduttori ripetuti, le citazioni dai lavori precedenti. L’allestimento di Trieste, coproduzione tra Opera de Monte-Carlo ed Erfurt Theatre, è improntato alla modernità. Entrano in scena giovani allegri e anche un po’ spregiudicati, un personaggio, l’anziano, copiato dall’immagine dello stilista Karl Lagerfeld, scomparso nel 2019, direttore artistico di Fendi e poi di Chanel. Capelli bianchi, lunghi a coda di cavallo, abito nero striminzito, cravattino lungo e stretto, occhiali rigorosamente scuri, il Geronte di Ravoir, interpretato da Matteo Peirone, non ha lo stesso fisico, ma ne ricalca fedelmente il cliché.  Il cambiamento d’epoca nella lirica è spesso cercato dai registi per poter sviluppare una loro idea, ma non è certamente semplice per il linguaggio arcaico dell’opera che cozza troppo pesantemente con l’immagine sulla scena.     In questa Manon il registra Guy Montavon, calca impietosamente la mano sul grottesco, nella scena delle prostitute messe all’asta e vendute ad un manipolo di squinternati, ma anche questo ci può stare. Ciò che rende difficile la comprensione è proprio il finale che prevede i due innamorati, Manon e des Grieux, in una landa desolata, lasciati a morire di stenti. La storia è ben complessa in origine, ma comunque questo abbandono cantano i due nell’ora della fine della protagonista. In questo allestimento compaiono invece due stanze divise dal vetro. Manon è rinchiusa in una cella nera e sporca. Renato des Grieux sta invece nella stanza attigua, ben illuminata, dove fanno mostra di sé due pacchi di acqua in bottiglia. Manon gli dice “la sete mi divora” e ancora gli chiede di scrutare “il mister dell’orizzonte, e cerca, cerca monte o casolar”.  L’uomo deve esplorare se ci sia qualcuno nella landa desolata, se sia possibile trovare l’acqua per dissetare la donna vinta dalla febbre. Lui è chiuso dentro nella stanza, pesta sulla porta che non si apre e dice “nulla rinvenni… l’orizzonte nulla mi rivelò… lontano spinsi lo sguardo invano”. Lo spettatore guarda, sente e vede tutt’altra cosa.  Si dirà licenza del regista, ma la licenza a dire il vero sembra troppa. La scenografia di Hank Irwin Kittel è indubbiamente strutturata, gioca su una piazza in cui arriva la carrozza che porta a Parigi la giovane Manon e suo fratello, da un chiosco si distribuiscono gelati gratuitamente. Ai tavolini siede una folla di giovani studenti, l’insieme è gaio, ma la musica mostra già i segni della disgrazia incombente. Nel secondo atto la stanza è opulenta, grandi divani, sculture moderne e quadri fanno bella mostra, Manon ha abbandonato des Grieux, con il quale era fuggita per amore, dopo aver saputo che Geronte avrebbe voluto rapirla.  E la troviamo proprio da quest’ultimo, imbellettata, piena d’oro, immersa in un lusso sfarzoso, poi trasformata in statua vivente dal vecchio pittore, ma anche potente cassiere dello stato. Le pareti della stanza mutano colore, segnando un cambio di passo dell’opera. Manon nel voler fuggire di nuovo con des Grieux, vorrebbe portarsi via tutti i gioielli. L’ingordigia sarà la sua condanna: catturata, imprigionata e venduta assieme alle prostitute. Ultimo atto siamo in America in quella landa desolata, fatta di due stanza di cui si è detto. Lana Kos è Manon Lescaut. Nata nella bella città barocca di Vara?din, cantata nella “Contessa Mariza” di Emmerich Kálmán, ha debuttato giovanissima a diciassette anni. In Croazia è una diva, suona il piano, è poliglotta, conduce una vita all’insegna del rigore. Ha una più che ventennale carriera alle spalle oramai. La sua è una bella voce, imponente, che regge l’impegnativo ruolo di Manon, più volte applaudita a scena aperta dal pubblico della prima. Per inciso, lo sciopero indetto dai teatri lirici italiani per la prima della stagione ha avuto luogo anche a Trieste, pertanto abbiamo assistito alla seconda rappresentazione, senza lo sfarzo del debutto, senza inno nazionale, senza paillettes e gioielli. Canta in coppia con Roberto Aronica (un buon Renato des Grieux), che regge il ritmo incalzante e drammatico del finale struggente. Il Lescaut, fratello di Manon, è Fernando Cisneros, perfetto nella parte del guascone. Conclude il quartetto dei ruoli principali Matteo Peirone, nei panni di Geronte, ma anche sergente degli arcieri e comandante di marina, in tutti quei ruoli che lo vedono perseguitare la povera Manon. In scena ancora Paolo Antonio Nevi, Magdalena Urbanowicz, Nicola Pamio e Giuseppe Esposito. L’opera sarà al Teatro Verdi di Trieste fino al12 novembre. (La recensione si riferisce alla recita di sabato 4 novembre 2023) Crediti fotografici: Fabio Parenzan per il Teatro Verdi di Trieste Nella miniatura in alto: il soprano Lana Kos (Manon Lescaut) Sotto in sequenza: panoramica sui costumi; Roberto Aronica (des Grieux) e Lana Kos; Roberto Aronica con Fernando Cisneros (Lescaut); la direttora Gianna Fratta Al centro: l'intensa espressione di Lana Kos Sotto: una bella panoramica su orchestra e pubblico del Teatro Verdi di Trieste Condividi

Pubblicato il 05 Settembre 2023 Le ultime repliche di Tosca, Madama Butterfly e Aida in Arena ecco un resoconto Tre donne tre stelle: Pirozzi, Grigorian, Stikhina servizio di Simone Tomei

VERONA - Ho frequentato il Festival "Arena 100" della città scaligera solo verso il concludersi della stagione estiva 2023. Sono arrivato a Verona agli inizi di settembre ed in questo scritto vi do conto delle mie tre serate areniane. TOSCA – Venerdì 1 settembre 2023 Il consueto allestimento del regista Hugo de Ana – curatore anche di scene, luci e costumi – di Tosca non ha più misteri per il pubblico veronese e non abbisogna di presentazioni o dissertazioni già espresse in altri miei scritti su questa testata. È giusto però esaltarne ogni volta la magnificenza, la chiarezza e l’originalità con cui è stato concepito; i pochi efficaci elementi scenici danno piena soddisfazione alle didascalie del libretto e ci fanno immergere dentro la musica pucciniana e nelle parole librettistiche in maniera naturale e spontanea. Musicalmente la direzione del M° Francesco Ivan Ciampa ha tradotto in sonorità eccellenti la partitura del “lucchese” con agogiche sempre appropriate ed un legame sincero e spontaneo con il palcoscenico. Nel ruolo eponimo Anna Pirozzi si rivela ancora una volta l’artista che sa restituire le piene intenzioni della diva romana Floria Tosca; intenzioni, suoni e ars scenica si uniscono in un quadro denso di sfumature sempre appropriate con acuti ben piazzati ed un’emissione sempre a fuoco. Anche il protagonista maschile nelle vesti di Mario Cavaradossi è stato rappresentato in maniera interessante dal tenore Freddie De Tomaso che deve ancora curare, però, l’eleganza nel porgere talune frasi e frenare una certa irruenza che un passo più in là potrebbe sfociare in pedanteria. Il materiale vocale è di indiscussa bellezza e la giovane età può giustificare qualche intemperanza che con la maturità non dubito possa essere messa a tacere a favore di uno stile più consono alla scrittura musicale.     Il baritono Luca Salsi può vantare una sua presenza scenica ieratica e sicura, ma il personaggio del Barone Scarpia diventa sempre più simile talvolta ad un goffo “Rigoletto” e talaltra ad un marpione “Falstaff”; del  “Bigotto satiro che affina colle devote pratiche la foia libertina, e strumento al lascivo talento fa il confessore e il boia” come lo denota il pittore, rimane ben poco ed anche il canto è sempre più incline ad un poco curato declamato infarcito di accenti talvolta inopportuni che non ad un’emissione fluida e morbida atta a scandire la linea melodica. Ottima presenza scenica e prestanza vocale per l’Angelotti di Giorgi Manoshvili; la voce è ben proiettata con timbro nitido e corposo. Giulio Mastrototaro è un Sagrestano di lusso e la sua recitazione è moderatamente caricaturale ma mai macchiettistica. Bene il resto del cast che vede impegnati Carlo Bosi (Spoletta), Nicolò Ceriani (Sciarrone), Dario Giorgelè (Un carceriere) e Jacopo Lunardi (Un Pastore). Di pregio gli interventi del coro della Fondazione Arena – preparato e guidato dal M° Roberto Gabbani - al termine del primo atto e nella cantata fuori scena. Bravi i ragazzi del Coro di Voci Bianche A.d’A.Mus preparati dal M° Elisabetta Zucca. Una serata settembrina con anfiteatro molto affollato e apprezzamenti da parte di tutto il pubblico.   MADAMA BUTTERFLY – Sabato 2 settembre 2023 Una serata idilliaca quella in cui ha preso vita il dramma pucciniano di Madama Butterfly e molteplici sono stati i fattori che hanno contribuito alla sua riuscita. Partirei dallo storico allestimento di Franco Zeffirelli che nonostante gli anni, riesce sempre ad emozionare con una scenografia da sogno, costumi appropriati ed un impianto luci efficace per creare ambienti, odori e sapori di un fantastico Giappone. La regia è piuttosto latente, ma in quest’opera la gran parte delle intenzioni spesso scaturiscono proprio da parte degli interpreti che possono concedersi molta libertà nel dare vita ai personaggi. Non avevo mai sentito dal vivo il soprano Asmik Grigorian e ne sono rimasto letteralmente affascinato; ho vissuto momenti di grande emozione grazie alla sua interpretazione perché credo abbia dato ad ogni parola e ad ogni frase il giusto senso drammaturgico e scenico nonché la più appropriata interpretazione vocale. Oltre al timbro di assoluta bellezza, non va in secondo piano la solida tecnica e la capacità di affrontare ogni nota con la giusta intensità emozionale che il momento richiede. I suoni sempre a fuoco, la dizione chiara e nitida hanno fatto emergere ogni sfumatura della giapponesina quindicenne: dall’innocenza del primo atto al dramma del terzo passando per l’atto interlocutorio in cui a mano a mano crescevano pathos e sofferenza. Introduco qui l’intesa con il podio su cui si ergeva il M° Daniel Oren perché tra i due sembrava consumarsi un idilliaco amplesso amoroso; le intenzioni dell’uno erano prontamente raccolte dall’altra e l’agogica dell’interprete era ogni volta prontamente ricambiata dai favori della bacchetta, sì da creare un’unione di intenti che difficilmente si realizza. E quando si realizza, come in questo caso, non è soltanto bella musica, è arte sublime. Piero Pretti è un fresco Pinkerton che ammanta la platea areniana con sonorità brillanti e fraseggio ben curato; piena intesa con la protagonista nel duetto finale del primo atto; e drammatico ma non stucchevole nell’aria del terzo.     Strepitoso anche il Console Sharpless che nel baritono Gevorg Hakobyan ha trovato piena incarnazione; una voce vellutata accompagna tutta la sua interpretazione e accanto ad un’intonazione perfetta si è potuto ammirare un canto elegiaco e sempre a fuoco che restituisce pieno valore alla parola scenica. Ineccepibile la Suzuki di Sofia Koberidze che emerge con classe nel coinvolgente duetto dei fiori. Note positive anche per il nitido e petulante Goro di Matteo Mezzaro e per altri componenti del cast: Kate Pinkerton con l’ambrato timbro di Marta Pluda, l’ottimo Yamadori di Italo Proferisce, il potente Zio Bonzo di Gabriele Sagona. E inoltre, Gianfranco Montresor (Il Commissario imperiale), Stefano Rinaldi Miliani (L’ufficiale del registro), Federica Spatola (La madre di Cio Cio San) e Valeria Saladino (La cugina) completavano con onore il cast.      AIDA – Domenica 3 settembre 2023 Anche se in calcio d’angolo ho avuto modo di assistere all’allestimento di Stefano Poda dell’opera regina del Festival areniano: Aida. Ho avuto modo di leggere di tutto su questa regia, dagli apprezzamenti più accorati ai disprezzi più profondi e a questo punto mi sia concesso esprimere anche un mio pensiero. Sulla marcata simbologia Poda costruisce uno spettacolo di grandissimo pregio visivo che colpisce violentemente lo spettatore grazie a tanti fattori: luci, costumi, movimenti scenici, impiego mastodontico di comparse, interazioni misteriose tra i personaggi e molto altro. Tutto ciò conferisce senza dubbio fascino e meraviglia all’occhio di chi guarda e anche il sottoscritto è stato “vittima” di questo ammaliamento. L’Aida diventa dunque un parafilm, ma si scontra con un grandissimo limite; quello di non essere funzionale alla musica… occhio ho detto musica, non drammaturgia. Quest’ultima è praticamente inesistente, o meglio vive solo nella mente del suo creatore; potrei associare questo allestimento ad una grande (geniale) trovata pubblicitaria che ha portato in Arena moltissime persone attraverso questo giocattolo che il regista ha costruito con l’avallo della direzione del Festival. Non critico questa scelta, ma mi permetto di giudicarla in relazione alla sua funzionalità che non è atta a restituire niente della partitura verdiana. La recita cui ho avuto modo di assistere ha messo in evidenza in generale un totale scollamento tra palcoscenico e buca e un totale distacco tra le sonorità che si udivano dagli strumenti e quello che succedeva sul palcoscenico. Le famose trombe sul palco nella marcia trionfale hanno dato del filo da torcere al M° Daniel Oren che più volte mi è sembrato perdere il filo del discorso. Pur non volendo dare peso agli scandali musicali compiuti nella sezione degli ottoni nel golfo mistico, ho avuto la sensazione di assistere ad una prova di assieme in cui ancora non fosse maturata la consapevolezza di quello che si stesse facendo. Non da meno è stato il versante vocale che specie nei primi due atti si è trovato spesso scollato rispetto alle note suonate. Alla luce di questi avvenimenti mi sono fatto l’idea che sia la disposizione dei cantanti che il loro impegno in scena cozzavano con la funzionalità richiesta dalla partitura e tutto è stato un po’ lasciato al caso. Ciò mi ha fatto venire in mente una frase che spesso un caro amico musicista era solito dire in questi casi: «... se ci perdiamo, ci troveremo alla corona...»; e spesso così è stato.     È anche vero che talvolta è necessario scegliere tra l’entusiasmare (con la visione) o il rapire (con la musica) e per l’ambiente areniano può essere più consona la prima scelta - anche perché porta più soldi - ma per chi ama la musica e per chi la interpreta sicuramente non credo sia stata la strada migliore che potesse essere percorsa. Relativamente agli interpreti mettendo da parte le scollature, posso così sintetizzare le loro prove. L’Aida di Elena Stikhina non ha nulla della giovane etiope; l’emissione seppur corretta e intonata restituisce un canto marcatamente flebile dimostrando a mio avviso di non possedere la vocalità necessaria al personaggio. Probabilmente oggi non andrei oltre ad un’Adina o una Norina donizettiane e l’aver affrontato il titolo nel contesto fisico dell’emiciclo veronese mi è sembrato un azzardo notevole. Se i suoni in acuto sono belli e filati, manca quel “morso” alla partitura che spesso caratterizza le pagine musicali della giovane schiava; viene meno dunque il senso della parola scenica che unito alla pochezza drammaturgica della regia restituisce un quadro dai contorni poco definiti e fatui. Il Radames di Angelo Villari parte con buone intenzioni nonostante sembri scontare un po’ l’emozione del palcoscenico, ma migliora con l’evolversi della serata risultando convincente nei due grandi duetti con protagonista e antagonista femminile dove la voce si fa sempre più salda e libera dai timori iniziali. Clémentine Margaine dona al personaggio di Amneris quel fascino misterioso, quasi demoniaco che le appartiene. Nonostante la restituzione di un suono non troppo corposo, va a suo favore la proiezione dello stesso che riesce comunque a passare l’orchestra grazie ad una notevole omogeneità nei vari registri vocali e all’intelligenza di saper piazzare ottimi e ficcanti accenti che sanno ben delineare i suoi umorali stati d’animo. Una terna di lusso quella formata da Rafal Siwek nei panni di Ramfis, poi Amartuvshin Enkhbat (Amonasro) e Romano Dal Zovo (Il Re). Completavano il cast un solido Riccardo Rados quale Un messaggero e l’eterea Sacerdotessa di Francesca Maionchi. Note meno positive per il Coro diretto dal M° Roberto Gabbiani che – a conferma delle problematiche da me esposte più sopra – ha fatto nettamente più fatica a trovare la quadra del cerchio. Arena super affollata e applausi per tutti. Crediti fotografici: Ennevi Foto per la Fondazione Arena di Verona Nelle miniature dei titoli: Anna Pirozzi (Tosca); Asmik Grigorian (Madama Butterfly); Elena Stikhina (Aida) Successivamente in sequenza, belle immagini di Ennevi foto da Tosca, Madama Butterfly e Aida Condividi

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