Pubblicato il 27 Maggio 2019 Il Maestro di Cappella di Cimarosa e il Gianni Schicchi di Puccini hanno chiuso con successo la stagione Un Dittico curioso ma divertentissimo servizio di Simone Tomei

VERONA - Chiude bene. Chiude cioè con ilarità e comicità la stagione del Teatro Filarmonico di Verona che ha messo in scena due componimenti buffi molto distanti tra loro - sia per periodo compositivo che per tempo legato al dipanarsi delle vicende - ma che hanno in comune il paradosso come divertimento, unito ad una musicalità entusiasmante. Il Maestro di Cappella di Domenico Cimarosa dà il via alle danze in questo pomeriggio di maggio. “Si presume che l’abbia composto tra il 1786 e il 1791 a Pietroburgo, dov’era stato invitato dalla zarina Caterina II. Non si conosce un autografo della musica, né un libretto. Un’unica fonte tramanda il brano, uno spartito per canto e piano edito a Lipsia da Hofmeister intorno al 1813, che lo definisce “ein burleskes Intermezzo” (intermezzo burlesco)… Il maestro di cappella è un intermezzo anomalo. L’azione è continuata (ossia non è articolata nelle consuete due parti da collocare negli intervalli di un’opera in tre atti). Ha un solo personaggio cantante. Il contrasto non è di natura erotico-matrimoniale, bensì artistico-tecnica: un direttore d’orchestra – denominato all’epoca ‘maestro di cappella’ non solo in chiesa ma anche in teatro e in sala da concerto – se la vede con una compagine di suonatori particolarmente riottosa e bisbetica… Nel tema, questo lavoro fa capo al filone del ‘teatro nel teatro’, in voga nel ’700: le mille piccole traversie dell’allestimento di un’opera diventano il soggetto metateatrale di uno spettacolo che mette in mostra sé stesso. La trama è rudimentale. Il maestro vuol provare con l’orchestra un’aria «in stil sublime» (ossia un’aria da opera seria). L’avvio delle prove è un disastro: gli strumentisti attaccano al momento sbagliato. Il maestro deve allora canterellare i motivi di ciascuna parte dell’orchestra, affinché gli esecutori li apprendano e li assimilino a uno a uno. L’addestramento funziona: alla fine, i musicisti sono pronti per cimentarsi in un pezzo di bell’effetto.” (Nicola Badolato, Oh che armonico fracasso, in Musica Docta. Rivista digitale di Pedagogia e Didattica della musica, pp. 71-81). Protagonista assoluto il fantomatico ed esuberante Maestro di Cappella alle prese con un’orchestra indisciplinata sul palcoscenico guidata concretamente dal M° Alessandro Bonato. Tutti, orchestrali, concertatore, mimi e lo stesso protagonista indossano abiti rigorosamente d’epoca curati da Silvia Bonetti, mentre le scene di Michele Olcese riproducono un salotto “bene” dell’epoca illuminato dai colori e dalle luci di Paolo Mazzoni. La regista Marina Bianchi costruisce sull’unica scena un discorso più corale, rispetto al solito one man show, attribuendo ai mimi un alter ego degli strumenti indisciplinati; quasi in maniera onomatopeica i movimenti scimmiottano le intemperanze dei musicisti creando un quadretto di elegante e piacevole visione. Il Maestro di Cappella alias il baritono Alessandro Luongo dipana con sicumera la partitura con una vocalità elegante, sinuosa e talvolta canzonatoria, senza cadere nel ridicolo interagendo disinvoltamente con il concertatore “vero” che ottiene le giuste sonorità dal piccolo ensemble, ma che qualche volta sembra diventare un po’ “isterico” nei tempi di esecuzione; improvvise impennate in accelerando prendono il posto di tempi più rilassati e distesi conferendo una sorta di disomogeneità al costrutto musicale. Soffre di questa intemperanza soprattutto la parte finale che scivola in “allegro troppo vivace” con la pecca di trovarsi scollato con l’unica voce cantante. Sono solo venti minuti di spettacolo, ma la musica di Domenico Cimarosa si conferma una perla preziosa nell’alea del Teatro d’opera.   Nella seconda parte del pomeriggio si va avanti nel tempo relativamente al periodo compositivo, ma ci spostiamo indietro di qualche secolo per il periodo drammaturgico con il Gianni Schicchi di Giacomo Puccini. Siamo nell’Inferno dantesco canto XXX 31, 42-45: “... sostenne,/Per guadagnar la donna de la torma, (cioè la mula più bella della stalla/Falsificare in sé Buoso Donati/Testando e dando al testamento norma”, senza ignorare un'altra fonte, più minuziosa e doviziosa di particolari anch’essi tutti finiti nel libretto che risulta di estremo interesse: si tratta di un brano tratto dal Commento alla Divina Commedia D'Anonimo fiorentino del secolo XIV ora per la prima volta stampata a cura di Pietro Fanfani, tomo I (Bologna, Romagnoli, 1866); di questo ed altro ci parla in un saggio molto interessante dal titolo La modernità retrospettiva del Trittico, Virgilio Bernardoni, Membro del Comitato scientifico del Centro Studi Giacomo Puccini di Lucca: “… Forzano, librettista dell’opera trova bell’e pronta l’articolazione del libretto dell’ultima parte del Trittico nel commento dantesco. …  ... là dove si narra nel dettaglio la vicenda del vero Schicchi e si fa cenno alla preoccupazione dei famigliari del morente Buoso Donati, che paventano un testamento a loro sfavorevole, all’occultamento del cadavere e al travestimento, particolare della ‘cappellina’ compreso, al timore di svelare la truffa che frena l’impulso ribelle dei parenti, allorché il falso legato volge palesemente a loro danno, nonché alla consistenza della parte più appetibile dell’eredità di Buoso, di cui s’appropria il testatore fraudolento. Il libretto – uno dei prodotti di miglior riuscita di Forzano per le trovate buffe e per il congegno drammatico felicissimo che le produce – trova la propria forza propulsiva nella contrapposizione tra la scaltrezza del burlatore e la credulità dei gabbati. Motivo che si tinge anche di vaghissime risonanze sociali nel confronto impari tra la «gente nova», scesa in Firenze dal contado con un bagaglio vincente di energia e d’intelligenza, e le vecchie casate cittadine, piombate in uno stato imbarazzante e risibile di decadenza. Insomma, è il comico come dinamismo di forze, in cui il dato lirico-sentimentale si neutralizza e il dato caricaturale e macchiettistico – quello che un tempo Puccini praticava con disinvoltura nel Benoit della Bohème, nel Sagrestano della Tosca e nello zio Yakousidé della Butterfly – finisce relegato in posizione marginale.” Una scena unica curata da Saverio Santoliquido e Claudia Boasso ci ha di fatto introdotto in una camera arredata in stile borghese del primo novecento fiorentino con una scala che porta su di un terrazzino da quale si pensa possibile ammirare la città rinascimentale; ottima e di gusto la ripresa registica di Matteo Anselmi che subentra all’ideatore primiero Vittorio Borrelli (lo spettacolo è importato dal Teatro Regio di Torino), che è riuscito a infondere vita e carattere ad ogni personaggio con fedele attenzione al testo evitando manierismi ormai fuori luogo. Egregia la prova di Alessandro Luongo nel ruolo eponimo che anche in questo contesto si è sicuramente fatto valere per vocalità rotonda e precisa, dando maggior spazio al cinico sadismo ed alla scaltrezza che non all’esuberanza. Una piccola nota che mi preme: non credo che le inflessioni troppo esagerate dell’accento toscano giovino alla resa complessiva dello spettacolo, ma probabilmente qualcuno ha imposto questa interpretazione che alla lunga risulta noiosa e stridente con la partitura… bravo comunque. Barbara Massaro è un’amabile Lauretta che sprigiona freschezza e profuma di buono come il sentimento che l’accompagna. Frizzante bizzarra e adeguatamente caratterizzata la Zita di Rossana Rinaldi che emerge tanto nella veste attoriale - per la quale avrei osato ancora di più - quanto per quella vocale dove il timbro uniforme e ben proiettato emerge energicamente nei vari momenti di assieme e caratterizza ancor di più la goffaggine del personaggio; scherzosamente dico sempre che la Zita si “misura” sulla parola Ladro pronunciata dopo la beffa dello Schicchi… ebbene: super, super, super… un ladro da manuale con una a tenuta magistralmente. Rinuccio è impersonato dal giovane Matteo Mezzaro che serve sul piatto  di portata uno squillo argentino ed un colore molto gradevole dando vita e corpo alla suadente aria Firenze, è come un albero fiorito. Encomio anche per il bravissimo Alessandro Busi nel doppio impegno quale Maestro Spinelloccio e Ser Amantio di Nicolao, sicuro ed affidabile caratterista. E veniamo adesso a tutti gli altri parenti: buono il Gherardo, Ugo Tarquini; frizzante, squillante e stizzosamente “sdegnosa” la Nella di Elisabetta Zizzo che trova sempre il modo di emergere per spigliatezza e per pasta vocale con acuti ben piazzati ed eccellente servizio alla parola scenica; Betto di Signa è appannaggio di un ficcante Dario Giorgelè; il Simone di Mario Luperi non porta a casa un risultato troppo convincente fallando numerosi attacchi e mettendo in luce un’emissione opaca e spesso forzata con acuti al limite e note gravi svuotate; Marco è incarnato da un bravo Roberto Accurso e La Ciesca, per voce di Alice Marini tende a dare vita ad un personaggio troppo marcato vocalmente con accenti ed inflessioni poco in linea con la leggerezza e la goliardia del contesto. Completavano con piacevolezza il cast il calzolaio Pinellino, Maurizio Pantò  ed il tintore Guccio Nicolò Rigano mentre il piccolo Gherardino era lo scanzonato Leonardo Vargas Aguilar. La direzione del M° Alessandro Bonato, giovane di belle speranze, è da encomiarsi per una salda tenuta del rapporto con il palcoscenico con il quale, grazie ad un gesto marcato e preciso, ha intessuto un rapporto di fiducia e stima; l’esuberanza della bacchetta ha avuto come effetto contrario quello di eccedere spesso in sonorità troppo marcate che hanno tolto quel senso di leggera frivolezza che la partitura porta in sé; tutta la prima parte, almeno per quello che riguarda la restituzione del suono a metà platea, è risultata totalmente appannata dalla mole di suono che veniva dalla buca ed ha fatto perdere molte peculiarità delle voci; un po’ incerti e vacui anche i tempi eseguiti che spesso incedevano in andamenti piuttosto lenti e pesanti: le due arie solistiche ed altri momenti che avrebbero richiesto vita ed enfasi, hanno sofferto per questa scelta metronomica. Un giovane che si sta facendo le ossa per il quale la pasta e la verve non mancano… diamogli il tempo per maturare ed il frutto sarà dolce e sugoso. Il pubblico non troppo numeroso ha partecipato con attenzione all’insolito dittico ed ha apprezzato l’esibizione con calorosi applausi. (La recensione si riferisce alla recita di domenica 26 maggio 2019) Crediti fotografici: Foto Ennevi per il Teatro Filarmonico – Fondazione Arena di Verona Nella miniatura il alto: il giovane tenore Matteo Mezzaro (Rinuccio in “Gianni Schicchi”) Condividi

Pubblicato il 19 Maggio 2019 Applaudita produzione della celebre opera di Umberto Giordano ottimamente diretta da Carminati Chénier lo spirito dell'Umanità servizio di Rossana Poletti

TRIESTE - Teatro Verdi. Va in scena in questi giorni e fino al 26 maggio 2019 al Teatro Verdi di Trieste l’Andrea Chénier di Umberto Giordano. «Questo titolo viene definito generalmente come una grande storia d’amore. Nella mia visione la ricerca della libertà e della conoscenza unita alla forza della parola daranno come risultato amori e amicizie senza fine». Queste sono le parole con cui la regista, Sarah Schinasi, illustra in sintesi la sua personale interpretazione dell’opera. Nella realtà Giordano e Luigi Illica, che scrisse il libretto, traendolo dalla biografia del poeta francese Andrea Chénier, pongono la loro attenzione sulla povertà, sull’ingiustizia, temi cari al Verismo, genere letterario e musicale che domina la scena di fine Ottocento. L’opera punta i riflettori sulle tante luci ed ombre della Rivoluzione francese. Lo fa raccontando una struggente storia d’amore e morte. Meridionale come il verista Verga, Umberto Giordano è colpito dai tanti lati oscuri che fanno ombra ad un movimento che pose fine al dominio di una nobiltà fiacca, improduttiva e parassita, dapprima in Francia per poi diffondersi universalmente. Se nella rivoluzione, sotto il segno dell’Illuminismo, “Liberté, Égalité, Fraternité” sono i principi che ispirano ad un profondo cambiamento sociale, il potere e la sua gestione diventano infatti con Robespierre il regime del terrore: il vedere cioè nemici e oppositori ovunque, la cui eliminazione si fa ossessione fanatica.   Nella prima scena dell’opera si raccontano le ingiustizie che indussero il popolo alla rivolta. L’interno è quello di una casa nobiliare, si riceve in uno stucchevole rituale di danze, salamelecchi ed inchini. Gérard è il figlio di un servitore anziano, che alle soglie della morte è costretto a lavorare. Si definisce con furore “progenie di servi”; la padrona di casa, la Contessa di Coigny, fa un’affermazione assai rivelatrice di un’ottusa mentalità, che non contribuì a salvare la sua stirpe dalla ghigliottina. Afferma la donna «Ah quel Gérard! L’ha rovinato il leggere! Credetemi. Fu l’Enciclopedia! Ed io che tutti i giorni facevo l’elemosina…», la frase è la conseguenza dell’irruzione in casa di un gruppuscolo di affamati. «E’ sua Grandezza la Misera» aveva detto Gérard con soddisfazione. Ritroviamo poi il servitore, fattosi cittadino, nel bel mezzo della rivoluzione ormai conclusa, a colloquio con una delle tante spie che osservano i traditori del popolo, coloro che, appartenendo a fazioni diverse della rivoluzione, sono considerati una minaccia per il nuovo ordine statale, e i nobili che si sono salvati, magari cambiando identità e mescolandosi tra la folla. E’ questo il caso di Maddalena, figlia della Contessa di Coigny, salvatasi dal rogo della sua casa, aiutata dalla fedele Bersi, che si prostituirà per far sopravvivere entrambe. Maddalena incontra Chénier, si innamorano perdutamente, purtroppo però quest’ultimo è caduto in disgrazia, Robespierre lo vuole morto. Gérard è anch’egli da sempre preso dalla donna, da quando crebbero assieme nella casa, ora può averla e questo lo porterà a duellare con il poeta. Ferito, non lo tradirà, chiedendogli di salvare la giovane. Una denuncia successiva al tribunale del popolo farà arrestare Chénier e a quel punto non ci sarà più nulla da fare. Maddalena sceglierà di sostituirsi segretamente ad una nobile mandata a morte pur di restare con il suo amato. «Questo capolavoro - ha dichiarato il maestro Fabrizio Maria Carminati - incarna lo spirito dei più alti ideali dell’Umanità, posti in musica dalla grande esperienza musical teatrale di Umberto Giordano. Ho sempre correlato la raffinatezza musicale dell'Andrea Chénier all’emozionante visione dei quadri di Bruegel dove la visione dei minimi dettagli è al centro dell’attenzione con un’ininterrotta continuità. L’elenco dei molteplici personaggi della trama dell’opera - ha concluso Carminati - evidenzia un preciso spaccato della società del tempo in cui è ambientata la vicenda. La Rivoluzione Francese, madre dei più eclatanti sconvolgimenti storici Europei, è delineata dai due fratelli d’arte, Giordano e Illica, con una giustezza e perfezione molto rare.» La musica di Giordano è “un fiume in piena”, così la definisce Carminati, che dirige egregiamente l’orchestra attraverso la partitura diversamente piena di colori e ombre, in sintonia con la narrazione. Vero protagonista in scena è Gérard, interpretato da Devid Cecconi, che suscita un entusiasmo colmo di applausi da parte del pubblico. Il personaggio di Carlo Gérard è ispirato al rivoluzionario Jean-Lambert Tallien, divenuto al tempo ministro delle finanze; incarna i sentimenti dell’intera opera, il bene e il male, l’amore ma anche la spietatezza con cui, denunciandolo, condannerà a morte il poeta. Dotato di una naturale vena poetica nella voce il baritono toscano affronta con disinvoltura e potenza, con forza e sofferenza il suo monologo del terzo quadro, Nemico della patria?!, nel quale racconta di essere rimasto un servo, del nobile padrone prima e di una rivoluzione ora, per la quale ha smarrito il “sognato destino”. Il Chénier del tenore Kristian Benedikt è apprezzabile soprattutto nel primo quadro, la sua voce esprime la giusta passione per un ruolo che racconta di ideali, di arte, di un grande amore e della sua conclusione tragica. Il terzo personaggio è Maddalena, che il soprano Svetla Vassileva interpreta con proprietà sia nella parte della nobile civettuola, sia in quella successiva della fuggitiva donna innamorata. Tutti i protagonisti “minori” dell’opera si rivelano capaci di rendere vocalmente e scenicamente il personaggio rappresentato: dalla Madelon di Isabel De Paoli alla Contessa di Coigny di Anna Evtekhova, e poi ancora  Albane Carrère (La mulatta Bersi), Francesco Musinu (Roucher), Saverio Pugliese (Un Incredibile e L’abate poeta), Gianni Giuga (Pietro Fléville e Il sanculotto Mathieu), Giuliano Pelizon (Schmidt e ll Maestro di casa), Giovanni Palumbo (Fouquier Tinville) e Francesco Paccorini (Dumas). Le scene di William Orlandi raccontano di un’architettura neoclassica che si muove per dar spazio agli ambienti diversi dei quattro quadri. I cambi scena rallentano musica ed azione, ma sembrano inevitabili. Sfarzosi i costumi del primo quadro di Jesus Ruiz, raccontano di una nobiltà che non bada a spese, mentre il popolo straccione fa la fame. La contrapposizione è ben evidenziata. La regista, Sarah Schinasi, è stata scelta per questa coproduzione internazionale con il Teatro Opera SNG di Maribor (Slovenia), è agevolata come sempre dal coro del Verdi, diretto da Francesca Tosi, capace di calarsi nei tanti ruoli e momenti che l’opera richiede. Crediti fotografici: Ufficio stampa Teatro Verdi Trieste Nella miniatura in alto: il tenore Kristian Benedikt (Andrea Chénier) Condividi

Pubblicato il 19 Marzo 2019 Il regista Victor García Sierra gioca con forme e colori vestendo l'opera buffa di Donizetti Elisir come un quadro di Botero servizio di Rossana Poletti

TRIESTE - Teatro Verdi. Il regista venezuelano Victor García Sierra ha deciso di ambientare L’elisir d’amore di Gaetano Donizetti, in scena al Verdi di Trieste, in un mondo pittorico circense attinto da Botero, che dipinse una serie di quadri dedicata proprio al circo nel 2008. Le scene e i costumi appaiono conformi a quelle che sono le peculiarità dell’artista , che ama le forme insolite, dilatate e i colori distesi, mai sfumati con i contorni precisi e delineati. E allora innamorati, truffatori, bellimbusti, creduloni, ragazze capricciose, personaggi senza tempo e senza luogo, vivono su una scena in cui troneggia un tendone giallo del circo che ruota, mostrando nel suo interno due vere acrobate, i trampolieri altissimi, ci sono poi i carrozzoni, il villaggio e i suoi abitanti festosi, i bambini, una mongolfiera, il cui pallone è a forma di gattone, realizzato da Botero come scultura a Barcellona, che alla fine si porterà via Dulcamara, quando ormai la storia d’amore si è risolta e lui non teme più di essere scoperto nel suo imbroglio del finto elisir. L’operazione è riuscitissima, propone una rappresentazione divertente, colorata, piena di trovate fantasiose che aggiungono qualità ad un’opera che già di per sé è perfetta. Botero, colombiano, è figlio della sua terra, il Sudamerica, i cui artisti raccontano da sempre mondi reali soffusi di magia, dai “Cent’anni di solitudine” di Garcia Marquez al “Gabriella, garofano e cannella” di Jorge Amado, a cui appartiene evidentemente il regista Sierra, capace di ricostruire questa magia anche sul palco dell’opera. Magia, allegria e malinconia in scena si rincorrono in un mix che gli artisti riescono a proporre senza cadute e senza che la festosità generale si tramuti in grottesco. Nemorino è un giovane innamorato, molto timido e ingenuo, credulone canta il suo amore non corrisposto con il dolore ma anche con la speranza che la sua gioventù gli consente. Il tenore Francesco Castoro, che lo impersona, è atteso alla prova del fuoco con l’aria più importante e sicuramente la più nota dell’intera composizione, “Una furtiva lacrima”. La esegue vestito da Pierrot con il fagotto in mano, lo strumento che dà le sottolineature al canto di Nemorino. Impeccabile fino alla fine, intellegibile nelle parole, con un bel timbro limpido suscita gli applausi scroscianti del pubblico, soprattutto per la sua emozionante interpretazione. Anche l’Adina del soprano Claudia Pavone propone un’ottima esecuzione del suo personaggio, ragazza civettuola e lievemente perfida che sfuma poi nella giovane pentita e amorosa. Raggiunge, senza mostrare alcuna difficoltà, acuti di notevole intensità. E’ vigoroso nella voce e nell’interpretazione del personaggio il Belcore di Leon Kim, gradasso ma non troppo, si propone con molta disinvoltura e con una dicitura di buona qualità. Bruno de Simone propone un Dulcamara furbo, istrionesco: “Udite, udite, o rustici, attenti non fiatate” e ancora “Benefattor degli uomini, riparator dei mali, in pochi giorni io sgombero, io spazzo gli spedali”; alle donne poi “O voi matrone rigide, ringiovanir bramate? Le vostre rughe incomode con esso cancellate”: è tutta qua la contemporaneità del suo messaggio che attraverso l’incantamento e il raggiro propone illusori rimedi per tutti i mali, anche all’assenza d’amore. Un elisir per tutte le stagioni e per tutti i bisogni. Divertentissima la scena del duetto in cui Nemorino scopre che Dulcamara può risolvere il suo problema amoroso “Ardir! Ha forse il cielo mandato espressamente per mio bene quest’uom miracoloso nel villaggio” a cui Dulcamara risponde “La mia saccoccia è di Pandora il vaso”. Imbonirà Adina, essendo consapevole che la giovane è realmente innamorata di Nemorino, fino alla partenza finale nel tripudio generale della folla che ha veramente creduto agli effetti sorprendenti del suo elisir, con il coro che canta a gran voce “Viva il grande Dulcamara, la Fenice dei dottori: con salute, con tesori possa presto a noi tornar”. Una particolare menzione va proprio al Coro del Teatro Verdi, diretto da Francesca Tosi, che la fa da padrone sul palco dell’ Elisir d’amore, ha un’ottima presenza musicale a cui si aggiunge un riuscito lavoro registico che impone un’efficace “movimentazione delle masse”. L’Orchestra del Verdi imprime il giusto brio e vivacità all’opera di Donizetti, diretta dal maestro Simon Krečič che, unica nota dissonante, forse nell’emozione della prima esecuzione, soprattutto nella prima parte, sembra trattenere l’andamento brillante della composizione. L’opera è considerata il capolavoro di Donizetti, composta su libretto di quel grande poeta che fu Felice Romani, con cui il compositore non andò mai molto d’accordo. Realizzata in pochissimo tempo, come spesso accadde per tante opere, arrivò a conclusione non con pochi dissidi tra i due artisti e con una certa presunzione del librettista, che riteneva importante al pari della musica il suo lavoro letterario. Subì l’inserimento della “furtiva lacrima”, aria composta in precedenza e di altre arie melodiche, che sono la forza del successo di Donizetti, che però poco conciliavano con Le philtre di Eugene Scribe adattato da Romani. La prima esecuzione ebbe luogo al Teatro della Cannobiana di Milano nel maggio del 1832. In scena al Teatro Verdi di Trieste fino al 23 marzo prossimo. Crediti fotografici: Fabio Parenzan per il Teatro Verdi di Trieste Nella miniatura in alto: il tenore Francesco Castoro (Nemorino) Al centro in sequenza: Claudia Pavone (Adina) con Leon Kim (Belcore); ancora Francesco Castoro con Bruno de Simone (Dulcamara) Sotto: immagini di scena dell'allestimento curato dal regista Victor García Sierra Condividi

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