Pubblicato il 23 Gennaio 2022 Il lavoro di Nicola Piovani ispirato a un romanzo di Vincenzo Cerami è andato finalmente in scena Amorosa presenza riscoperta e rinnovata servizio di Rossana Poletti

TRIESTE - Teatro Lirico “Giuseppe Verdi”. Negli anni Settanta del Novecento Vincenzo Cerami e Nicola Piovani furono incaricati di realizzare una nuova produzione per il Teatro dell’Opera di Atene. Si misero al lavoro, ma la commissione che li aveva ingaggiati si dileguò, come ha raccontato lo stesso Piovani, e il progetto dell’opera rimase nel cassetto.  Soltanto recentemente al premio Oscar per la colonna sonora de “La vita è bella” arrivò la telefonata del direttore del lirico triestino, Antonio Tasca, e oggi Amorosa presenza apre la Stagione lirica e di balletto 2022 del Verdi di Trieste. Lo stesso Piovani ne è maestro concertatore e direttore. Il libretto è ispirato all’omonimo romanzo di Cerami, che è stato scrittore e sceneggiatore di tanti film dal già citato “La Vita è bella” al “Borghese piccolo, piccolo”. Aisha Cerami, figlia dello scrittore, si è presa l’impegno di scrivere il libretto, mentre la regia è stata affidata a Chiara Muti. Il debutto è stato accolto molto positivamente dal pubblico della prima, un felice insediamento per il neo nominato sovrintendente Giuliano Polo. Questo nuovo allestimento ha richiesto un forte impegno del teatro, che ha fornito per questa produzione mezzi raramente visti in questi ultimi anni. La storia presenta la vicenda amorosa di due giovani, che sono incapaci di affrontare l’amore, non avendo il coraggio di dichiararsi trovano un espediente: il ragazzo si traveste da donna, Orazio diventa Letizia, e così combinato cerca l’amicizia di Serena. Con questo raggiro conta di parlare bene di se stesso alla ragazza, di fare in modo che si innamori e ci riesce. Lei a sua volta, timida, si travestirà da Carmine per fraternizzare con Orazio. Un gioco di travestimenti, di espedienti e piccole incomprensioni, a tratti divertente fa dire a Piovani di aver realizzato un’opera semiseria. Tutto ha inizio in una giornata estiva, in una metropoli riconoscibile dai grattacieli sullo sfondo della scena. Le finestre si aprono, le luci si accendono, c’è chi si affaccia ad osservare quello che accade nella piazza in cui troneggia un grande albero. La sua chioma cambia con lo scorrere del tempo e delle stagioni. All’inizio è grondante di foglie verdi e frutta, poi d’autunno ingiallirà, carica di neve sarà bianca d’inverno per tornare a fiorire in primavera. L’albero parla, racconta la storia d’amore e ne sottolinea i momenti nel tempo che passa. Rappresenta un’operazione scenica spettacolare, tutto avviene ai suoi piedi al centro del palco, si dilegua nel finale felice dell’opera, suggellato dal bacio fra i due innamorati. Della sua musica Nicola Piovani afferma: «... la versione 2021 di questa partitura è un po’ diversa dal progetto iniziale: negli ultimi decenni il linguaggio musicale ha praticato sentieri più aperti, meno ideologici, meno angusti e intolleranti di quelli battuti nel secolo scorso, si sono aperti spazi anche per la musica para-tonale. La partitura che ho scritto non si fa scrupolo di inglobare nei pentagrammi stilemi popolari, citazioni di generi diversi – dal tango di Piazzolla alla romanza di Tosti, dal duetto brillante rossiniano all’accento malinconico del blues, dalla cavatina classica ai ritmi di Dave Brubeck. Nel momento saliente del bacio finale, compare un accordo di dodici note, stile secondo Novecento.» La giovane Serena è interpretata da Maria Rita Combattelli, dalla limpida voce squillante e fresca. L’innamorato Orazio è Motoharu Takei, che sostituisce l’impossibilitato Giuseppe Tommaso e, considerando le difficoltà di un’entrata in corsa, offre una buona presenza scenica. La Tata è Aloisa Aisemberg, che riceve applausi a scena aperta su un suo assolo. Il Tutore è un ottimo, brillante William Hernandez e l’albero, Cristian Saitta veste un costume intrigante, la cui maschera di grande effetto visivo, limita però il canto. La compagnia è ben affiatata sul piano vocale e soprattutto sul versante attoriale non irrilevante in questa opera, in cui i protagonisti sono chiamati ad una prova di espressione recitativa fondamentale per l’esito dello spettacolo. Come sempre orchestra, e coro fuori scena, del Verdi fanno bene la loro parte. Interessanti le coreografie di Miki Matsuse, che traslano le figure dei due innamorati negli alter ego danzanti. Le scene e i costumi di Leila Fteita, ci portano indietro nel tempo, non certo negli anni Settanta in cui imperavano già le minigonne; qui siamo decisamente ancora più in là negli anni, gonne sotto al ginocchio, uomini in bombetta e donne con cappellino. L’ottimo light designer è Vincent Longuemare. (La recensione si riferisce allo spettacolo di sabato 22 gennaio 2022) Crediti forografici: Fabio Parenzan per il Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste Nella Miniatura in alto: primo piano sul programma di sala Al centro: Nicola Piovani sul podio dell'Orchestra del Lirico triestino Sotto: panoramiche su interno ed esterno del Teatro Condividi

Pubblicato il 12 Dicembre 2021 Il capolavoro buffo di Gioachino Rossini torna al lirico triestino dopo quattro anni ma non sfonda Barbiere con pochi... clienti servizio di Rossana Poletti

TRIESTE, Teatro Verdi - Ci sono belle voci e ottime interpretazioni in questo Barbiere di Siviglia rossiniano in scena al lirico giuliano. Lascia il segno la Berta di Elisa Verzier, giovanissima triestina, vincitrice di importanti concorsi lirici, che nell’aria “Il vecchiotto cerca moglie” incontra l’applauso sentito del pubblico. Il mezzosoprano Paola Gardina si presenta nei panni di Rosina, al cui personaggio dona con bravura il carattere di finta ingenua, furbacchiona, capace di cogliere le occasioni per sfuggire al destino crudele a cui l’avrebbe condannata il suo vecchio tutore. Sfodera una voce limpida nei numerosi passaggi tra recitativo e canto, esprime il belcanto con tecnica ed esperienza. Il Figaro di Mario Cassi è spavaldo, centra la scena con il suo personaggio reso in modo fortemente godibile, è subito apprezzato dalla sua aria d’ingresso “Largo al factotum” fino ai tanti stratagemmi che attiverà per togliere d’impaccio Rosina e il Conte D’Almaviva. Il tenore Antonino Siragusa, che impersona il Conte d'Almaviva, continua nel tempo ad interpretare ruoli rossiniani con l’agilità e le capacità tecniche che lo contraddistinguono. Conquista senza fatica il pubblico che lo ricambia con numerosi applausi a scena aperta e con una quasi ovazione finale. Fabio Previati, nei panni di Bartolo, a sua volta dà segno di grande naturalezza, non è il solito vecchio parruccone, è uomo scaltro e capace di azioni truffaldine. Dall’aria “A un dottor della mia sorte” al duetto col conte “Pace e gioia sia con voi” diverte con un’ottima interpretazione vocale e di recitato. Infine Guido Loconsolo si distingue nell’aria della "Calunnia" di Don Basilio con una bella voce da basso, così anche ben figura il Fiorello di Giuseppe Esposito e l’Ufficiale di Armando Badia. In effetti al di là dei valori dei singoli cantanti quello che si apprezza in questo allestimento del lirico triestino è il gioco di squadra che emerge dal lavoro della regia di Massimo Luconi, mentre latitano le scene e i costumi, che propongono un grigiore triste che confligge con il tema dell’opera buffa rossiniana. Dopo i coloratissimi e spiritosi allestimenti del 2012 e 2017, questo attuale è veramente povero di tinte e luce. E nel secondo atto anche di scene. L’Orchestra del Verdi, ottimamente diretta da Francesco Quattrocchi, ci porta subito nell’opera buffa di Gioachino Rossini attraverso la splendida Ouverture, ben eseguita. Con il finaletto chiude il coro, ben diretto da Paolo Longo, purtroppo rigidamente schierato e lugubremente vestito di nero. Le misure anti-Covid tolgono, si sa, freschezza a tutte le rappresentazioni teatrali; nelle opere liriche con le grandi masse, distanziamento e immobilità ancor più accrescono questa percezione. Il pubblico continua a non venire al Teatro Verdi di Trieste, segno di una crisi che rischia di diventare irreversibile se la sua dirigenza non sarà capace, con l’apertura della nuova stagione, di mettere in campo azioni tali da ravvivare l’attaccamento della città al suo teatro più antico, di programmare allestimenti che meglio rappresentino il confine di Trieste tra la passionalità del melodramma italico e il mondo mitteleuropeo, di avviare politiche efficaci di avvicinamento del mondo giovanile. Crediti fotografici: Fabio Parenzan per il Teatro Verdi di Trieste Nella miniatura in alto: il direttore Francesco Quattrocchi Al centro e in fondo: panoramiche su costumi e allestimento Condividi

Pubblicato il 07 Dicembre 2021 Le opere da camera di Poulenc e Menotti in un dittico interessante e soprattutto bello Elle e Lucy le eroine del... telefono servizio di Simone Tomei

VERONA - La Fondazione Arena di Verona, nella cornice del Teatro Filarmonico, ha messo in scena, quale ultimo allestimento della stagione 2021, un dittico di bellezza rara: La voix humaine di Francis Poulenc e The Telephone di Gian Carlo Menotti. Due composizioni del secolo scorso che, senza nulla togliere alle eccelse interpreti che si sono cimentate sul palcoscenico, hanno come grande protagonista il telefono; oggetto che al tempo della genesi di queste due opere da camera era solo un accessorio della vita quotidiana, mentre oggi ne è diventato un elemento indispensabile e direi vitale. La regia di Federica Zagatti Wolf-Ferrari ha saputo intelligentemente evidenziare questo aspetto cogliendo tutte le peculiarità - materiali e psicologiche - che ha assunto nella vita di tutti noi. Questa onnipresenza del telefono è al centro dello spettacolo e lega le due opere come parti di uno stesso arco temporale che tocca diverse generazioni: «Il telefono interrompe, limita, spezza e sbriciola l’attività della mente in frammenti impossibili da ricomporre: un tempo per la precarietà della linea, oggi per la “necessità” dei social di esaurire un argomento in 15 secondi, per passare il più velocemente possibile ad altro. Oggi come ieri, è il telefono a possedere noi, non siamo noi a possedere un telefono. In scena prevale un elevamento: il filo. In Poulenc, come un conto alla rovescia, il filo diventa sempre più corto, fino a diventare irraggiungibile. In Menotti assistiamo a una moltiplicazione mostruosa e angosciante di fili, simbolo della bulimia comunicativa e dell’iper-connettività odierna che domina azioni e relazioni, anche quella fra Lucy e Ben.» In questo contesto generale si passa da atmosfere che oscillano tra il triste ed il drammatico ne La voix humaine,  a momenti di ilarità e frivolezza in The Telephone. Le scene di Maria Spazzi e Marina Conti, i costumi di Lorena Marin e luci di Paolo Mazzon hanno saputo ben completare l’idea registica. Elle, durante il suo intenso “monologo a due” vede piano piano accorciarsi il lungo filo telefonico sparso per tutta la scena; più che la conversazione si fa intensa e concitata, più questo filo è sempre più corto fino a rendere impossibile la comunicazione con l’amato perduto allorché la cornetta penzolerà - orami non più afferrabile - sopra il letto sospesa. Lucy - sovrastata da fili di fibra ottica che calano dal soffitto quasi a fagocitarla nel suo mondo fatto di comunicazione telefonica ossessiva - ravveduta dal suo comportamento estenuante e compulsivo verso il magico oggetto, riceverà alla fine la dichiarazione d’amore che l’amato Ben, sempre interrotto dalle “esigenze” comunicative della giovane, proprio attraverso una telefonata. Geniale infine l’idea di separare i due atti unici con lo scorrere degli anni  dalla nascita del “magico oggetto” ad oggi, proiettati sul pannello dei sovratitoli con grafiche e suoni volti a rappresentare l’excursus evolutivo del telefono attraverso grafiche e suoni. E adesso cito le interpreti, che si sono rivelate davvero stupefacenti. Il colore bianco e nero domina la scena di Lavinia Bini che si immedesima in Elle in maniera assolutamente perfetta; siamo soliti vedere in questo ruolo artiste molto navigate, ma alla fine la protagonista non è altro che una giovane donna abbandonata dal suo amato. La Bini trova nel canto e nell’ars scenica quei risvolti tragici che il destino le ha riservato: una donna senza certezze, una donna maledettamente fragile, una donna ormai sola che cerca quale ultimo mezzo di contatto quel filo che lentamente si ritrae. La voce corre di pari passo con le emozioni ed oscilla tra accenti amorosi e “patetici” e momenti di pura disperazione con un canto che esalta pienamente le melodie orchestrali. L’emissione è semplicemente eccezionale e traduce con grande partecipazione i sentimenti contrastanti che la pervadono. Il rosso, il bianco ed il nero colorano invece le scene dell’eccezionale Lucy di Daniela Cappiello.   La Capiello sciorina un’interpretazione leggera e spensierata con grandi momenti di comicità. Irritante come non mai, nell’ossessività dei selfie e di videochiamate petulanti, incarna in maniera esilarante una giovane non più adolescente. La voce è cristallina, perfettamente intonata e sa calibrare le dinamiche con grande maestria con un’emissione che oserei definire scintillante. Il “rassegnato” Ben, interpretato dal baritono Francesco Verna, è un abile mattatore nel gestire la scena non sottraendosi a momenti scenici esilaranti grazie a una vocalità salda e pienamente a fuoco con il personaggio. A capo dell’orchestra della Fondazione Arena di Verona, il M° Francesco Lanzillotta trova la quadra nel gestire degli accenti drammatici di Poulenc e la leggiadria delle note di Menotti; i tempi drammatici scorrono come un magma incandescente, mentre quelli frizzanti trasudano vivacità senza mai sfociare nella frettolosità. Una nota triste è stata quella di vedere un Teatro Filarmonico semivuoto -  si parlava di circa 120 biglietti venduti nel pomeriggio del 5 dicembre 2021, ma anche le recite precedenti hanno viaggiato sugli stessi numeri, se non addirittura inferiori. Un vero peccato. Crediti fotografici: Ennevi Foto per la Fondazione Arena di Verona Nella miniatura in alto: Lavinia Bini (Elle) Sotto: il direttore Francesco Lanzillotta Al centro: ancora Lavinia Bini Sotto: Daniela Cappiello (Lucy) e Francesco Verna (Ben) In fondo: i saluti finali del cast  Condividi

Pubblicato il 16 Novembre 2021 Il Teatro Filarmonico non fa registrare l'en-plein consentito dalla normativa anticovid corrente Così fan tutte non per molti servizio di Angela Bosetto

VERONA – Dopo aver proposto Le nozze di Figaro nel 2018 e Don Giovanni nel 2019, Fondazione Arena completa la trilogia Mozart-Da Ponte con Così fan tutte, andato in scena al Teatro Filarmonico dal 31 ottobre al 7 novembre 2021. La tanto sospirata capienza piena, però, non è ancora – purtroppo – sinonimo di normalità, a partire dalla necessità di spostare l’orchestra al livello della platea (impossibile mantenerla in buca a causa dei vincoli di distanziamento sanitario), il che da un lato permette al direttore Francesco Ommassini di lavorare in vivace (e ravvicinata) sintonia con i musicisti (votata al rendere il carattere brioso della musica mozartiana), ma dall’altro implica alcune problematiche nella resa acustica complessiva (imputabile anche ai pannelli divisori e all’insolita posizione degli orchestrali). Passando all’allestimento teatrale (firmato da Yamal das Irmich con scene di Angelo Finamore, costumi di Silvia Bonetti e luci di Paolo Mazzon), si sa quanto questa «grandiosa commedia della menzogna» sia forse l’opera di Mozart più difficile da mettere in scena e i motivi sono molti. Citando Elvio Giudici, bisogna considerare «... il suo carattere non immediatamente definibile, la mancanza di un’atmosfera ben precisata come quella che, ad esempio, il ritmo febbrile o comunque vitale – quindi positivo, se non proprio ottimistico – conferisce alle Nozze di Figaro; l’assenza di una figura carismatica come Don Giovanni; senza che tali mancanze siano compensate dal clima atemporale proprio del Flauto magico. È un’opera che tratta essenzialmente dell’amore: ma un amore intriso dello scetticismo connaturato al Settecento, e nel cui vortice d’ineludibile attrazione fisica ruolo determinante gioca il capriccio se non addirittura la noia. Il che beninteso, non significa affatto che secondo Mozart non si potesse provare sentimento alcuno: anzi, il Così fan tutte è proprio un inno all’amore, che solo non vuol essere sublime, eterno, ideale, per restare soltanto – ma anche soprattutto – amore e basta. Di conseguenza, è l’opera di Mozart che più d’ogni altra è stata sempre contemporanea all’ascoltatore.» Il regista sceglie quindi di ricorrere allo stratagemma dell’atmosfera vintage, ossia di immaginare le due coppie immerse inizialmente in un idilliaco, candido e sessuofobico interno borghese anni Cinquanta che (complici le macchinazioni di Don Alfonso e Despina, la quale sembra uscita direttamente dalla Swinging London) si spoglia degli arredi casalinghi (ossia dei preconcetti) e acquisisce progressivamente colori sempre più accesi, in un profluvio di simboli (i cuori, i fiori, i libri, gli abiti e i peluches) che risultano chiari persino allo spettatore più disattento. Un lavoro sommariamente apprezzabile, ma che trarrebbe un maggior beneficio se approfondisse lo snodo drammaturgico su cui decide di imperniarsi (ossia il fatto che le due sorelle capiscano quasi subito di avere a che fare con i propri fidanzati e decidano di stare al gioco) e attenuasse le cadute nel farsesco che accompagnano le apparizioni dei due "ufficiali albanesi" in preda al testosterone (con tanto di sospensorio metallico a esplicitarne le intenzioni) o i travestimenti da sketch comico televisivo di Despina. Comunque diverte e intrattiene il cast, a partire dai cospiratori e dei ex machina Don Alfonso e Despina, affidati rispettivamente al sempreverde Alfonso Antoniozzi e alla brillante Enkeleda Kamani (tanto vocalmente spigliata quanto, purtroppo, scenicamente vincolata a una serie di pose da mannequin). Grazie a un timbro e a una tecnica parimenti validi, Vittoria Yeo si disimpegna con garbo nell’ostica parte di Fiordiligi, mentre la musicalissima Chiara Tirotta tratteggia una Dorabella seducente e peperina, che appaga occhi e orecchie. Note positive vanno anche alle loro controparti maschili, dove al soave e melodioso Ferrando di Marco Ciaponi ben si contrappone il sanguigno e istrionico Guglielmo di Alessandro Luongo. Lunghi applausi per tutti da parte di un Filarmonico non al completo, ma assai soddisfatto. (Il servizio si riferisce alla recita del 31 ottobre 2021) Crediti fotografici: Ennevi Foto per il Teatro Filarmonico - Fondazione Arena di Verona Nella miniatura in lato: il direttore Francesco Ommassini Sotto da sinistra: Enkeleda Kamani (Despina), Alessandro Luongo (Guglielmo), Chiara Tirotta (Dorabella), Marco Ciaponi (Ferrando) e Vittoria Yeo (Fiordiligi) Al centro: ancora la Yeo e la Tirotta Sotto: una bella panoramica di Ennevi Foto durante il concertato In fondo: Alfonso Antoniozzi (Don Alfonso) con Enkeleda Kamani Condividi

Pubblicato il 28 Ottobre 2021 Al Politeama Rossetti di Trieste in scena il celebre musical di Jason Howland e Allan Knee Piccole Donne e il premio a Gismondi servizio di Rossana Poletti

TRIESTE Politeama Rossetti - E’ un congegno ben oliato il musical Piccole donne, andato in scena al Politeama Rossetti di Trieste, città dalla quale è partita la sua tournée. Nel grande teatro da oltre 1.500 posti arrivano molte produzioni internazionali di grande qualità e spesso abbiamo avuto modo di notare le differenze di spessore tra gli allestimenti stranieri e quelli italiani. Ma questa volta la diversità non c’è stata. Lo spettacolo ha una bellissima scena, una casa in cui ogni pezzo è accatastato uno sopra l’altro, sedie, scrivanie, qua e là abat-jour accesi, un pianoforte, mobili e una pendola che a tratti segna il tempo. Gli spazi sono divisi in alcuni momenti da un velo che, calato, crea due luoghi diversi, il davanti diventa altro rispetto la casa, ma è anche in trasparenza l’occasione di creare le fantasie della protagonista, una scrittrice, che le evoca. Gli artisti più o meno giovani sono tutti di grande qualità, cantanti capaci di un’interpretazione attoriale sorprendente, perché nel musical conta la voce, ma se manca la recitazione “casca il palco”. La regia di Fabrizio Angelini è perfetta, non una sbavatura nel ritmo, nessun errore nelle numerose entrate e uscite, una scelta dei ruoli ottima. La storia è quella dell’omonimo romanzo di Louisa May Alcott, un classico che le ragazze della nostra generazione hanno sicuramente letto, ma a vedere il pubblico in platea al Politeama Rossetti ci sembra di capire che Piccole donne sia un’opera che, a distanza di parecchi decenni, le giovani d'oggi affrontano ancora: un esempio della battaglia per l’emancipazione femminile che la scrittrice americana si trovò a concepire nel lontano 1868 attraverso la letteratura. Il romanzo è considerato una delle cento opere fondamentali della cultura americana. La trama del musical, fedelissima alla storia dell’opera originale, racconta la vita di quattro sorelle, Jo, Meg, Amy e Beth. Il loro padre è in guerra, quella civile americana. Nell’arco di un anno succederanno molti eventi, dalle nozze di Meg alla morte di Beth, ma anche l’avvio del successo letterario di Jo. Il musical ha sempre una componente tragica, contraddicendo coloro che sostengono abbai origini nell’operetta che ha invece sempre un esito felice, salvo casi rarissimi. Questo Piccole donne fa invece un naturale bilancio della vita, che riserva sempre occasioni positive a fronte di amarezze e momenti difficili, come nella vita vera. Ma veniamo alla musica: Jason Howland, che l’ha scritta, è un compositore di teatro musicale, direttore d’orchestra, nonché regista. Nel 2015 vinse il Grammy Award per il miglior Album con “Beautiful: The Carole King Musical”; il musical Piccole donne è precedente a questo lavoro, fu composto nel 2004 sul libretto di Allan Knee. A Broadway restò in scena per 137 rappresentazioni, un tour attraverso trenta città poi durò un anno intero. Successivamente fu ripreso in altri paesi, dall’Australia all’Europa. Approda oggi in Italia grazie ad una collaborazione tra la Compagnia dell’Alba e il Teatro Stabile d’Abbruzzo, in accordo con Music Theatre International, e manda sul palcoscenico Edilge Di Stefano, Fabrizio Angelini, Flavio Gismondi, Gabriele de Guglielmo, Alberta Cipriani, Giulia Rubino, Claudia Mancini, Carolina Ciampoli, Laura Del Ciotto e Giancarlo Teodori. La musica non è particolarmente originale, salvo qualche influsso abbastanza evidente dei lavori di Andrew Lloyd Webber e di altri compositori contemporanei. Ma è sufficientemente adeguata a sostenere ed accompagnare la storia della famiglia March. Al termine della rappresentazione triestina c’è stato un fuori programma con Fabrizio Angelini che ha ricordato come il regista Saverio Marconi ammonisse sempre che se uno spettacolo ha successo a Trieste lo consegue poi ovunque, a sottolineare il rigore e la competenza del pubblico giuliano, che ha decretato così le future fortune di questa produzione di Piccole donne, molto applaudita al Rossetti. L’Associazione Internazionale dell’Operetta in un clima di festa generale ha consegnato a Flavio Gismondi il Premio Nazionale Sandro Massimini - Diciottesima edizione, per le sue indubbie qualità canore ed attoriali, un talento ancor più forgiato da una completa formazione professionale. Crediti fotografici: Vincenzo Fedecostante per il Politeama Rossetti di Trieste Nella miniatura in alto: il regista Fabrizio Angelini Al centro: il cast del musical Piccole donne Sotto: la premiazione di Flavio Gismondi da parte dell’Associazione Internazionale dell’Operetta   Condividi

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