Pubblicato il 27 Giugno 2022 Successo al Teatro La Fenice per la nuova produzione del capolavoro di Benjamin Britten Peter Grimes sbarca in laguna servizio di Giuliano Danieli

VENEZIA - La Fenice è stata certamente fra le istituzioni europee più ricettive nei confronti della produzione di Benjamin Britten. Qui nel 1954 è stata data la prima assoluta di The Turn of the Screw, riproposto nei decenni seguenti per ben 4 volte; e nel settembre 1973 ancora la Fenice di Venezia ha ospitato la prima “continentale” di Death in Venice, l’ultima opera del compositore inglese presentata solo pochi mesi prima al festival di Aldeburgh. Sorprende quindi che, fino ad oggi, la città lagunare non avesse conosciuto Peter Grimes, capolavoro di Britten del 1945 che indiscutibilmente occupa i vertici del teatro musicale novecentesco. Bene ha fatto la Fenice a colmare questa lacuna nella corrente stagione, presentando una produzione complessivamente assai riuscita. Il regista Paul Curran, cui è stato affidato questo nuovo allestimento, ha proposto una lettura dell’opera lineare e toccante. Il concetto centrale – già espresso da Peter Pears, primo interprete di Peter Grimes, in un famoso articolo del 1946 – è che il protagonista dell’opera non sia né un eroe né un mostro, ma un uomo debole, solo e incompreso; un “diverso” che la comunità di pescatori in cui vive (“il Borgo”) marginalizza e perseguita. In questa figura di “ordinary weak person”, per citare Pears, chiunque può in qualche misura rispecchiarsi, e Curran approfondisce intelligentemente quest’idea, realizzandola con particolare efficacia nel terzo atto, quando il Borgo cerca minacciosamente Peter scrutando con la luce di alcune torce i volti del pubblico in sala. Sebbene per il regista la figura di Peter sia più ordinaria che eccezionale, la sua tragica vicenda è sapientemente sottratta ad una narrazione normalizzante dalle scene di matrice espressionista concepite da Gary McCann (pareti mobili, inclinate, dai profili irregolari) e dalle luci inquietanti, a tratti violente di Fabio Barettin. La caratterizzazione attoriale dei singoli personaggi del Borgo contribuisce a calare la storia di Peter in un ambiente alienante. I numerosi quadri di massa sono animati da controscene che ben comunicano le ossessioni degli abitanti del villaggio: ad esempio, più volte all’inizio dell’opera essi sono impegnati nell’atto di pulire tavoli, abiti e pavimenti, a suggerire una nevrotica inclinazione all’ordine della quale Peter non potrà che cadere vittima. Il ritratto del protagonista tratteggiato da Andrew Staples appare generalmente coerente con l’impostazione registica. Il tenore tende a smussare alcune eccessive asperità vocali di Peter, restituendo una figura animata da delicata sensibilità. Quello di Staples è un Peter Grimes gentile anche nella disperazione, con il quale risulta facile simpatizzare. Su un versante quasi opposto si muove la Ellen Orford di Emma Bell. Il soprano è dotata di uno strumento potente, forse anche troppo: i suoi acuti squillanti rendono Ellen un personaggio quasi temibile, piuttosto che una figura dolce – ancorché ferma nei suoi propositi – come Britten parrebbe volerla dipingere. Più centrato appare il ritratto del Capitano Balstrode offerto da Mark Doss, che oscilla fra momenti di risoluta potenza ed altri di sentita compassione. Molto buona la prova vocale e attoriale di tutti gli altri membri del cast, fra i quali spiccano l’incalzante Swallow di Sion Goronwy, un’espressiva Sara Fulgoni nel ruolo di Auntie, e la sinistra Mrs. Sedley di Rosalind Plowright. Encomiabile la prova del coro – vero e proprio “personaggio” in quest’opera – diretto da Alfonso Caiani. Juraj Valčuha alla guida dell’orchestra della Fenice regala un’esecuzione maiuscola: la sua lettura tende ad esaltare gli insanabili contrasti che percorrono la partitura, senza però lasciare che tale materia si trasformi in caos indistinto. I tempi, le dinamiche, gli impasti sonori sono sottilmente calibrati. Anche nei momenti più esasperati l’orchestra è in equilibrio perfetto con le voci. Un pubblico numeroso ha salutato con incandescente entusiasmo questa produzione. Non resta quindi che augurarsi che Britten torni ad essere programmato con costanza a Venezia. Con la sua storia, la Fenice può restituire al teatro del compositore inglese la meritata centralità che troppo a lungo le istituzioni italiane hanno faticato a riconoscergli. (La recensione si riferisce alla recita di Domenica 26 giugno 2022) Crediti fotografici: Michele Crosera per il Teatro La Fenice di Venezia Nella miniatura in alto: il direttore Juraj Valčuha Sotto, in sequenza, belle immagini d'assieme di Crosera su momenti salienti della recita Condividi

Pubblicato il 18 Giugno 2022 Aperto con un successo di pubblico incontestabile il 99° Festival Arena di Verona Carmen torna accolta dal tripudio servizio di Athos Tromboni

VERONA – Doveva essere kolossal per celebrare il regista Franco Zeffirelli, e kolossal lo è stata questa Carmen inaugurale dell’Arena Festival 2022 perché al di là degli esiti ricercati da puristi e “intenditori”, o da filologi e “integralisti”, per la Fondazione veronese ciò che più conta (attenzione: diciamo ciò che più conta, non ciò che solo conta) è l’esito presso il pubblico; e non v’è dubbio che l’accoglienza del kolossal da parte di un pubblico che gremiva l’anfiteatro è stata addirittura trionfale. Un tripudio vero e proprio. Niente di nuovo rispetto a una messa in scena “zeffirelliana” con decine e decine di comparse a infoltire il già pingue coro areniano, poi cavalli più volte in scena, al piccolo trotto, o in dressing guidato dai loro cavalieri, o trainanti carretti, poi muli in transito e due dozzine di ballerini ai lati, quando non al centro della scena, per coreografie dove il flamenco l’ha fatta da padrone scatenando applausi entusiatici. Eccetera. Conclusione: è uno spettacolo da vedere, criticare magari, sbertucciarlo anche, ma da vedere. La protagonista, Clémentine Margaine, era al debutto; e debuttava pure Luca Micheletti nel ruolo di Escamillo; in serata di grazia s’aggiungevano il tenore Brian Jagde (Don José) e una splendida Karen Gardeazabal nelle vesti di Micaela; poi, per completare il cast, uno stuolo di giovani interpreti dove si metteva in evidenza il baritono Gabriele Sagona (Zuniga) ma ben figuravano anche Daniela Cappiello (Frasquita), Sofia Koberidze (Mercedes), Nicolò Ceriani (Dancairo) e i veterani Carlo Bosi (Remendado) e Biagio Pizzuti (Morales). Sul podio il maestro Marco Armiliato, direttore musicale del Festival. L’allestimento ha combinato per la prima volta in scena le migliori intuizioni di Zeffirelli di allestimenti che vanno dal 1995 al 2009, integrandoli con nuovi elementi scenografici mai realizzati, ricuperati dai bozzetti originali. Costumi belli e sgargianti di Anna Anni. Alle masse Orchestra, Coro (maestro del coro Ulisse Trabaccin) e Tecnici della Fondazione Arena, si sono aggiunte le voci bianche di A.Li.Ve. preparate da Paolo Facincani; e sempre in scena o quasi, il Ballo con le coreografie originali di El Camborio riprese da Lucia Real e la Compagnia di Ballo spagnolo “Antonio Gades” (coordinatore del Ballo, Gaetano Petrosino). Perfette come sempre le luci di Paolo Mazzon. L’aria festosa della serata (non solo sul palcoscenico durante le scene d’assieme del torero toreador o della habanera, ma anche in platea e sulle gradinate) ha avuto un momento di raccoglimento quando un annuncio particolare, comunicato direttamente dal palcoscenico prima dell’avvio dell’opera dalla sovrintendente soprano Cecilia Gasdia (accolta da un lungo e affettuoso applauso) ha suscitato un silenzio rispettoso : «Ricorre quest’anno il centenario della nascita di due grandissimi artisti – ha detto la Gasdia – più volte protagonisti su questo palcoscenico; il soprano Renata Tebaldi e il baritono Ettore Bastianini.» Applausi del pubblico prima e dopo la riproduzione audio delle due “voci” nelle rispettive incisioni d’epoca di “Numi pietà” (Aida, per la Tebaldi) e di “Ah! l’amor, l’amore ond’ardo” (Il trovatore, per Bastianini). Poi la bacchetta precisa e attenta di Marco Armiliato ha dato l’avvio, con la trascinante Ouverture di Carmen, all’avvenimento inaugurale del 99° Festival Arena di Verona. Dobbiamo segnalare, a titolo di cronaca, che tutto il primo atto è stato cantato senza i sovratitoli elettronici per un presumibile guasto all’impianto. Poi nel secondo e terzo/quarto atto (questi ultimi due fatti di seguito senza intervallo, solo una breve pausa per il cambio scena) i sovratitoli sono ricomparsi… “zoppicando” perché il maxivideo sulla sinistra del pubblico oscuravano qualche sillaba sia del testo italiano, sia del testo inglese, mentre quello sulla destra del pubblico funzionava a meraviglia ed essendo montato anche più in basso dell’altro (o comunque meno lontano dal palcoscenico e dalla platea) la leggibilità era eccellente. Che dire dell’esecuzione? Coro molto ben preparato, orchestra attentissima alle indicazioni del podio, mai prevaricante il canto. Bravi gli intepreti, sufficienza piena, con un doppio più per la Gardeazabal (Micaela) e un meno meno per la debuttante nel ruolo (Margaine). Ottimo anche il tenore Jagde e in pieno phisique-du-role il debuttante Micheletti (Escamillo). Marco Armiliato, come detto, ha diretto con scrupolo e capacità, diventando addirittura sublime nella concertazione del quintetto del secondo atto “Nous avons en tête une affaire”. Le repliche di questa Carmen sono in calendario per il 24 e 30 giugno; 14, 21, 31 luglio; 11,14 e 27 agosto. Le altre “prime” del Festival 2022 sono: Aida (18 giugno), Nabucco (25 giugno), La traviata (2 luglio), Roberto Bolle and Friends (25 luglio), Turandot (4 agosto), Carmina Burana (12 agosto) e Placido Domingo in “Verdi Opera Night” (25 agosto) con arie e duetti da Macbeth, Don Carlo, Aida. (La recensione si riferisce alla recita di venerdì 17 giugno 2022) Crediti fotografici: Ennevi Foto per la Fondazione Arena di Verona Nella miniatura in alto: Clémentine Margaine nel ruolo di Carmen Sotto: sempre la Margaine nel primo atto dell’opera, con Gabriele Sagona (Zuniga) Al centro in sequenza: Cecilia Gasdia sul palco durante la comunicazione della dedica dello spettacolo ai centenari di Renata Tebaldi e di Ettore Bastianini; Brian Jagde (Don José); Luca Micheletti (Escamillo) Sotto: la bravissima Karen Gardeazabal in Micaela In fondo: bella panoramica di Ennevi Foto sull’allestimento kolossal 2022 di Carmen Condividi

Pubblicato il 11 Giugno 2022 Conclusa la stagione del Teatro Verdi di Trieste con le opere di Leoncavallo e Respighi Pagliacci e Al Mulino dittico interessante servizio di Rossana Poletti

TRIESTE - Teatro Lirico “Giuseppe Verdi”. Un dittico interessante quello proposto dal Teatro Verdi di Trieste, ultima rappresentazione della stagione, con i Pagliacci di Ruggiero Leoncavallo e Al mulino di Ottorino Respighi, quest’ultima un’incompiuta del maestro, che completata si presenta quindi in prima esecuzione mondiale. I Pagliacci mancavano da quasi vent’anni al lirico triestino; studiosi del settore affermano che storicamente l’opera non piacque mai molto al pubblico locale, che spesso ne contestò la validità, frequentemente critico col verismo musicale. Non così è accaduto a questa prima molto apprezzata e applaudita, anche nel corso dell’esecuzione. La brillante regia di Victor Garcia Sierra riempie la scena di popolo festante all’arrivo della compagnia di attori, un teatro nel teatro; vestiti di bianco in una scena di mille colori e luci, quella realizzata da Paolo Vitale, che la allestisce con luminarie e scritte moderne in un contesto di festa del paese, con carretti e piccole finte mongolfiere, con donne barbute e trampolieri, con immagini di scena e locandine sparse su tante quintature e sul fondo una grande ruota da Lunapark, al centro un rialzo che diventerà il palco della rappresentazione. Adulti e bambini in coro, quello del Verdi diretto da Paolo Longo e “I Piccoli cantori della città di Trieste” di Cristina Semeraro. Tutto parte dal prologo che annuncia cosa accadrà, il personaggio che l’interpreta, sarà poi Tonio/Taddeo, l’ottimo baritono Devid Cecconi, mette i puntini sulle i: «... l’autore ha cercato invece pingervi uno squarcio di vita. Egli ha per massima sol che l’artista è un uom e che per gli uomini scrivere ei deve. Ed al vero ispiravasi.» Il vero è un fatto accaduto in Calabria dove Leoncavallo visse per un periodo. L’incipit è ben piantato in quello che sarà il successo dell’opera. Cecconi lo racconta talmente bene da riscuotere da subito un caloroso e lungo applauso. Anche il tenore Amadi Lagha, che interpreta Canio/Pagliaccio, si destreggia perfettamente nella sua parte. Esegue la famosa aria “Vesti la giubba” con grande realismo, riempiendo le note di umanità profonda, come nelle intenzioni dell’autore, nella quale si evince la sofferenza dell’uomo che sulla scena dovrà recitare il dramma che sta vivendo nella vita vera.   Il soprano Valeria Sepe, nei panni di Nedda/Colombina, è straordinaria nella gestualità del personaggio, dotata di voce potente e flessuosa, difetta soltanto nel fraseggio. L’orchestra è diretta da Valerio Galli, appassionato amante di Ruggiero Leoncavallo e dei Pagliacci, che scorge in Trieste la libertà del mare, della sua Viareggio, terra di compositori veristi; ricorda come Leoncavallo ammirasse Wagner, del quale il coro del primo atto contiene alcuni echi. Un’opera difficile, contrariamente a quanto si pensa, con variazioni e cambi improvvisi. Balgoj Nacoski (Peppe/Arlecchino) e Min Kim (Silvio) completano il quadro dei protagonisti principali ai quali si affiancano Damiano Locatelli e Francesco Paccorini nella parte di due contadini. Dopo il femminicidio di Nedda e l'omicidio di Silvio, quasi Leoncavallo vivesse l’oggi, un lungo intervallo permette un drastico cambio delle scene per la rappresentazione di Al mulino di Ottorino Respighi, con il quale ci si cala invece in quella profonda greve realtà russa, che ancor più oggi ci sconvolge per la guerra che stiamo vivendo. Questa è stata la seconda opera del compositore bolognese, che in Russia visse un breve periodo, venendo in contatto con l’animo di quel popolo, troppo spesso piegato al potere, fosse quello dello zar o di qualsiasi altro dittatore che arrivò dopo. Paolo Rosato ha messo mano alla orchestrazione della parte incompiuta dall’autore, un quarto dell’opera: «Rimasi il più possibile vicino al pensiero musicale di Respighi - ha dichiarato - egli si muove con grande libertà e fantasia… non voglio dire che il timbro sia estraneo alla descrizione delle emozioni, delle situazioni drammatiche, ma che probabilmente non c’è correlazione fissa tra gli elementi dei due campi. Lo stesso avviene per i leitmotiv ricorrenti, che assumono veste orchestrale sempre diversa.» Altra responsabilità nel debutto di un’opera è stata quella del regista, Daniele Piscopo, che ha “scelto la via dell’impressionismo, dove attraverso i contrasti di luci e ombre viene rappresentato lo stato d’animo dei diversi personaggi: «Mai avrei pensato di dover raccontare una storia che potesse ripresentarsi oggi, ciò che sembrava lontano nel tempo è divenuto paradossalmente vicino. All’orizzonte ci sono la guerra e i suoi orrori, non si può non fare i conti con questo.» Il libretto dell’opera lo fa con forza, in quel mulino la donna Aniuska arriverà ad un epilogo disarmante. Ucciderà, aprendo con forza l’acqua del ruscello che va al mulino, i persecutori e l’amato Sergio, per non permettere a costoro di perseguitarlo ancora. L’acqua simbolo di purificazione, diventa simbolo di morte. Il suo innamorato si è ribellato ai soprusi degli uomini dello zar, la ragazza è maltrattata dal padre Anatolio e da Nicola, che innamorato non è ricambiato e consegnerà così Sergio ai suoi aguzzini. L’orchestra, diretta da Fabrizio Da Ros, sfodera toni possenti e minacciosi. La musica è tetra, trasporta lo spettatore in un mondo di angoscia e terrore, un tempo lungo nel quale poco avviene se non il dipanarsi dell’orrore a cui è sottoposta la donna. Il finale è dirompente e in qualche modo disarmante. I protagonisti Afag Abbasova-Budagova (Aniuska) e Zi Zhao Guo (Sergio) sono tutti convincenti nei loro ruoli drammatici, a cui si aggiunge il tratto subdolo di Domenico Balzani (Nicola). Altrettanto efficaci i coprotagonisti in scena: Cristian Saitta (Pope), Min Kim (Anatolio), Anna Evtekhova (Maria), Blagoj Nacoski (ufficiale), Francesco Cortese (Solo) e Giuliano Pelizon (soldato). Un Respighi inedito, su cui valeva la pena soffermarsi. Funzione dei teatri è anche di non abituare il pubblico a seguire sempre gli stessi e sempre meno titoli. Una diminutio culturale a cui non vogliamo abituarci. Crediti fotografici: Fabio Parenzan per il Teatro Verdi di Trieste Nella miniatura in alto: il tenore Amadi Lagha (Canio) Al centro: panoramica di Fabio Parenzan sull'allestimento triestino di Pagliacci; e, in sequenza, il baritono Devid Cecconi (Tonio) e Valeria Sepe (Nedda); ancora Valeria Sepe con Amadi Lagha Sotto: altra panoramica di Fabio Parenzan su Al Mulino; i saluti del cast di Al Mulino al termine della rappresentazione Condividi

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