Pubblicato il 27 Settembre 2026 Alla Pinacoteca Nazionale di Palazzo dei Diamanti un bel concerto organizzato da Bal'danza Cera al Frescobaldi Day servizio di Edoardo Farina

FERRARA - In collaborazione con Ministero della Cultura – Musei Nazionali di Ferrara e Associazione Bal’danza, domenica 13 settembre 2026 come di consuetudine da cinque anni a questa parte, Ferrara Musica ha festeggiato il genetliaco del maggiore compositore ferrarese, celeberrimo innovatore della storia della musica a tastiera, in un appuntamento di rilievo culturale intendendo unire il patrimonio storico-artistico della città alla grande musica d'arte andando in scena il primo concerto della nuova stagione 2026-2027 in occasione del Frescobaldi Day, presso la prestigiosa cornice del Salone d’Onore della Pinacoteca Nazionale di Corso Ercole I d'Este Palazzo dei Diamanti. Omaggio al suo insigne musicista rinascimentale Girolamo Frescobaldi (1583 – 1643) nel 443° della nascita con un programma che ha inteso spaziare tra Cinquecento e seconda metà del Seicento proprio nel contesto avvenuto il medesimo giorno attraverso la mirabile esecuzione del clavicembalista Francesco Cera. Nato nel 1967 a Bologna, esperto interprete del repertorio barocco italiano per clavicembalo e organo, è stato allievo di Gustav Leonhardt ad Amsterdam tra il 1989 e il 1990 per divenire l’anno successivo membro dell'ensemble Il Giardino Armonico. Dal 1997 è direttore dell'Ensemble Arte Musica, specializzato nel repertorio vocale italiano da Gesualdo e Monteverdi alle cantate del XVIII secolo. Tra i massimi tastieristi internazionali, vanta una ricca discografia e un'intensa attività concertistica nelle principali sale europee e statunitensi, apprezzato in particolare per il suo rigore filologico e la profondità interpretativa sulla letteratura per tastiera dei secoli XVI e XVII. Il percorso d’ascolto in un programma non propriamente monografico, ha proposto un denso itinerario orientato a evidenziare i fitti legami culturali e le corrispondenze stilistiche tra Italia, Germania e Francia nel Seicento, aprendo il sipario eseguendo dell’illustre la Toccata undecima e il ciclo di danze con Balletto, Corrente e Passacagli, tratte dal “Primo Libro d’intavolatura di Toccate di cimbalo et organo”, e da “Aggiunta”, raccolte stampate a Roma rispettivamente nel 1615 e 1637, rivelando la creazione compiuta di un personalissimo linguaggio strettamente legato alle pagine da tasto e al clavicembalo in particolare in un percorso ove fin dalle prime battute, si viene proiettati nel cuore della retorica frescobaldiana. Il brano procede per sezioni contrastanti: accordi densi e ricchi di sospensioni armoniche (durezze e ligature) si frangono improvvisamente in volate di bravura e diminuzioni intendendo destabilizzare l’ascoltatore, creando tensioni che si risolvono solo all'ultimo istante, testimonianze del personalissimo linguaggio anche coreutico del grande maestro.                          Il Seicento musicale europeo non è un’epoca di confini rigidi, ma un continuo divenire di idee e stili avvenendo al centro di questi spazio aperto una vera e propria rivoluzione ove la musica strumentale smette di essere una semplice ombra della voce o un semplice accompagnamento rivendicando per la prima volta una sua totale autonomia. Artefice di questa importante innovazione, spicca la figura di Frescobaldi che nacque e passò la giovinezza a Ferrara in una casa sita nella oggi omonima via al numero civico 40 a egli dedicata (già via Belvedere) città che vantava una scuola musicale in grado di attirare, nel XVI secolo, diversi importanti compositori tra questi, Josquin Desprez, Adrian Willaert, Alessandro Milleville; presenti inoltre, attivi musicisti come Alfonso della Viola, Lodovico Agostini, le celebri dame che formavano il Concerto del duca Alfonso II d'Este e Luzzasco Luzzaschi, suo insegnante. In quegli anni passarono dalla città estense anche Costanzo Porta, Luca Marenzio, Claudio Merulo, John Dowland, Jacques de Wert, Orlando di Lasso, Giovanni Bardi, Jacopo Corsi, Giulio Caccini, Claudio Monteverdi (autore di una raccolta di madrigali dedicati ad Alfonso II d'Este), oltre al principe Carlo Gesualdo. Molti giunsero in occasione delle nozze del duca con Eleonora, sorella di Cesare d'Este, furono in città anche Scipione Stella, il liutista Fabrizio Filomarino e Rinaldo dall'Arpa. Abbiamo notizia di un suo incarico professionale già nel 1597 quando, all'età di 14 anni, ottenne il posto di organista dell'“Accademia della Morte” di Ferrara lasciato vacante da Ercole Pasquini. Risalgono a questo periodo i primi contatti di Frescobaldi con la potente famiglia locale dei Bentivoglio. Egli ottenne la protezione del marchese Enzo, figlio della celebre cantante Isabella Bendidio, che da esperto uomo di corte, divenne una figura molto influente nel campo della musica e del teatro del primo Seicento, e del fratello di questi, il potente cardinale Guido Bentivoglio. Giunto a Roma nei primi mesi del 1601, fu organista della basilica di Santa Maria in Trastevere da gennaio a maggio 1607. Virtuoso d'organo e clavicembalo, già celebrato per queste sue eccezionali qualità dai suoi contemporanei, fu soprannominato da Luigi Battiferri il "mostro degli organisti".    Prosecuzione di percorso con la figura di Johann Jakob Froberger, allievo dello stesso Frescobaldi a Roma tra il 1637 e 1641, di cui sono state eseguite la toccante Méditation sur ma mort future e la suite composta da Gigue, Courante e Sarabande. Il ruolo di congiunzione di Froberger trova ideale sponda nelle composizioni del francese Louis Couperin; ci svela il concetto di musica liberata con il Prélude e la Passacaille verso la seconda parte del concerto, avendo visto un ulteriore alternarsi dei tre autori – tra la Toccata seconda e Canzona terza frescobaldiane quest’ultima da “Ricercari e Canzoni alla francese”, Roma 1615 e la Méditation faite sur la mort future de Madame Sybille, Duchesse de Wirtemberg di Froberger – per culminare nel Prélude à l’imitation de Monsieur Froberger ancora di Couperin, esplicito omaggio al denso dialogo musicale tra i maestri dell'epoca testimonianza della sua sapienza contrappuntistica e del suo gusto melodico eccelso; apoteosi dello stile clavicembalistico francese mediato dallo stile dei liutisti, spettando al cembalista interpretare i legami tra le note, decidendo dove indugiare e dove accelerare, arrivando attraverso le svariate contaminazioni dall’influsso di Frescobaldi fino al primo barocco del tedesco-danese Dietrich Buxtehude. Chiusura di concerto tornando alla fonte iniziale, attingendo ancora dal celebre estense, la cui Toccata undecima ma tratta dal “Secondo Libro di Toccate” è un brano dal respiro monumentale, celebre per le sue “artificiose” combinazioni ritmiche, ove l’esecutore si trova a eseguire poliritmie complesse creando instabilità e vertigine intellettuale. È il Frescobaldi speculativo che sfida i limiti fisici della tastiera e le capacità cognitive dell’ascoltatore, per giungere al congedo finale con l’Aria detta Balletto sciogliendo la tensione attraverso una suprema grazie in una serie di variazioni sopra un’aria di danza di estrazione popolare celebrando con un sorriso aristocratico, la gioia effimera del ritmo e della vita, come afferma Dario Favretti nelle esaustive note di sala, affollata da un pubblico attentissimo, sensibile in un silenzio quasi irreale, oserei dire ecclesiastico, trasportato magicamente nella perfetta dimensione di altri tempi, confermando evidentemente oggi più che mai un considerevole bisogno emergente e senza limiti verso una costante evasione da un quotidiano frenetico e chiassoso che nelle epoche passate era ovviamente ancora assurdo e inconcepibile. Francesco Cera, dotato di un tocco dalla grande raffinatezza esecutiva dai “legati”, abbellimenti  e dinamiche ampiamente in evidenza in uno strumento ove realizzare tutto ciò appare sempre assai difficoltoso, ha concluso senza alcun fuori programma il pomeriggio dando ancora una volta il giusto merito riguardo gli aspetti artistici e storici del suo periodo e di coloro che ne hanno ricevuto le varie influenze, il tutto reso più comprensibile da un virtuosismo esecutivo davvero straordinario proponendone una esatta interpretazione senza trascurarne la forma puramente filologica riguardo soprattutto esecutori rimasti nell’oblio per centinaia di anni. Come sappiano, infatti, la musica antica, detta anche ficta, definita per essere collocata tra il periodo medioevale e rinascimentale e la relativa riscoperta organologica è avvenuta prevalentemente all’inizio del Novecento del secolo scorso soprattutto per merito delle ricerche di Eugène Arnold Dolmetsch (1858–1940); musicista francese e costruttore di tastiere, trascorse gran parte della sua vita in Inghilterra ove fondò un primo laboratorio di liuteria a Haslemere nel Surrey e ancora oggi considerato insieme alla musicologa e liutista britannica Diana Poulton (1903-1995) tra le figure più rilevanti nel promuovere l’esposizione del già citato repertorio strumentale “modale” vale a dire senza l’uso della “sensibile” che ne determina la “risoluzione armonica” della frase musicale, volendo usare una definizione propriamente analitica… “Non senza fatiga si giunge al fine” – Girolamo Frescobaldi. (La recensione si riferisce al concerto di domenica 13 settembre 2026) Crediti fotografici: Edoardo Farina e Fototeca gli Amici della Musica Uncalm Nella miniatura in alto e sotto: il celebre cembalista Francesco Cera   Condividi

Pubblicato il 30 Giugno 2026 Circolo di cultura musicale Orchestra a Plettro ''Gino Neri'' i concerti in biblioteca Dalle Corti Estensi al Novecento servizio di Edoardo Farina

FERRARA - Il Circolo di Cultura Musicale dell’Orchestra a plettro “Gino Neri” è sempre caratterizzato da un considerevole calendario di eventi come oramai avviene da diversi anni, alcuni già realizzati altri da concretizzarsi tra il 2025-2026 quali, oltre la consueta attività concertistica, varie iniziative connesse alle conferenze e i pomeriggi musicali nella giornata del sabato presentati presso la sede di Via Darsena 57, riservati prevalentemente ai soci anche se l’accesso è comunque libero a chiunque voglia assistere. “Dalle Corti Estensi al Novecento” - Virtuosi e Liutai Ferraresi, in scena il 20 giugno 2026, si è confermato come l’ultimo appuntamento prima della pausa estiva dopo il Duo Metropolis (Fei – Altavilla, violino e pianoforte) e il concerto dedicato a capolavori dell’Ottocento romantico, La chitarra narrata tenuto dalla chitarrista Gaia Mastromatteo e l’attore – scrittore Andrea Cavalieri. Excursus straordinario da parte dell’Enchiridion Consort formato da Roberto Felloni:  Liuto medievale e rinascimentale, Chitarra romantica e manouche - Stefano Squarzina: Flauti - Roberto Cattani: Tenorista e Chitarrino - Davide Zabbari: Viola da Gamba, Chitarra Classica, Contrabbasso – Cristiano Bulgarelli: Chitarra Acustica, il tutto dalla variegata organologia strumentale, l’ensemble ha mirabilmente ripercorso le più importanti tappe della storia della liuteria a pizzico partendo dalle prime origini del liuto alla chitarra moderna, avvalendosi dei flauti solisti accompagnati dai vari cordofoni suonati quasi tutti da Felloni, quindi archi e bassi dal sapiente contesto armonico.                        Dopo le presentazioni a cura di Ester Brina e i ringraziamenti da parte di Squarzina per l’invito e l’ospitalità, con l’esposizione di tre quadri nettamente distinti per tipologia e forma didascalica in ordine rigorosamente cronologico, l’apertura di programma è stata affidata alle origini musicali ferraresi interpretando Pietrobono dal Chitarino  -  (ca 1410/25 - 1497) (Pietrobono Burzelli, detto dal Chitarino - si badi bene con una “r” sola), ove con questo termine si deve probabilmente intendere un liuto soprano o uno strumento del tipo della quinterna, entrambi attestati dalle fonti figurative ferraresi di quegli anni. Liutista e barbiere, come era consuetudine, della corte estense, fu servitore principalmente di tre nobili illustri dal marchesato al ducato, dapprima Leonello, poi Borso fino ad arrivare a Ercole I d’Este. Musiche dal XIV secolo prevalentemente tratte anche da autori anonimi per liuto medievale suonato con il plettro o meglio ancora con la “penna” (frequente l’uso di una penna d’oca vera e propria, da qui ancora oggi l’analogia) e flauto dalle interessanti e dotte spiegazioni storiografiche da parte di Felloni in grado di accompagnare con convinzione e coinvolgimento tutta la durata della performance mostrando i suoi liuti, dapprima una copia medioevale a quattro ordini denominato proprio “Cosmé Tura” ricostruito in maniera autentica secondo il noto affresco di Francesco del Cossa visibile a Palazzo Schifanoia collocato nel Salone dei Mesi raffigurante iconografie di aprile, poi un “rinascimentale” a sei cori Tieffenbrucker. Atmosfere di altri tempi nella misura di fornirci un immaginario passato che ben si colloca con le mura, il Castello e le piazze di Ferrara da cui proviene direttamente e simbolicamente tale musica, occorrendo ricordare che il liuto era strumento principe suonato tra sacro e profano, nelle circostanze private e ufficiali ove eccellenti virtuosi allietavano con ineguagliabile maestria intrattenimenti e danze. Dal Trotto, Lamento del Tristano e rotta, Balletto Tientalora attribuito a Vincenzo Capirola e la successiva Tente a l’hora ruzenenta qui secondo una melodia perduta del Quattrocento, per concludere con una Chaconeta tedesca, anonimo in forma di ballata e diversi codici di Josquin Desprez con la Scaramella, fiammingo molto attivo a Ferrara, come Marchetto Cara di cui intavolature dal titolo Io com ucelo dalle ali d’oro, l’anonimo A Maria fonte d’amore, sino a stilemi tratti dalla prima metà del secolo successivo. Del secondo quadro ne è stato scelto il secolo romantico della chitarra: Luigi Legnani (1790-1877) chitarrista ferrarese caduto nell’oblio per decenni, ancora giovane si stabilì con la famiglia a Ravenna nel 1799 mettendo in evidenza spiccate doti musicali: studiò tutti gli strumenti ad arco, la chitarra e il canto. Esordì come tenore nel 1807 al Teatro Vecchio della cittadina romagnola, oggi inesistente (riferendosi storicamente al Teatro Comunitativo, il primo teatro pubblico aperto nel 1725 e in seguito demolito nell'Ottocento per fare posto al principale Teatro Dante Alighieri) ma si rivelò un ineguagliabile chitarrista debuttando al ridotto del teatro alla Scala di Milano il 20 giugno del 1819. Pubblicò oltre duecentocinquanta opere anche con l’editore Ricordi rimanendo nella città lombarda fino all’ottobre del 1822. Grande virtuoso dello strumento, intraprese una carriera ricca di successi, alternando l’attività di concertista e compositore a quella di maestro.      Essendo la sei corde in utilizzo non ancora recante la foggia spagnola definitiva attuale secondo il modello spagnolo di De Torres, Felloni ha continuato l’esibizione utilizzando una Vincenzo Vinaccia romantica originale del 1784 costruita a Napoli, con cui ha eseguito una Romanza di Fernando Sor, supportando il flauto non traversiere solista e fuori prassi di Squarzina dovendo affrontarne diversi compromessi, come egli ha affermato; poi di Legnani il primo movimento del Duetto Concertante ornato da virtuosismi e dinamiche dalla difficilissima realizzazione, a seconda della prassi esecutiva del tempo. Terzo e ultimo quadro, omaggio a Giorgio Balboni (1911-1985) figura che si colloca insieme al meno noto ferrarese Leonida Squarzoni nell’ambito dei pionieri della chitarra classica appartenenti a una generazione senza la quale la moderna didattica e il concertismo oggi raggiunto probabilmente non sarebbero esistiti. Tralasciando i grandi nomi, quali ad esempio Andrés Segovia o il suo diretto e migliore discendente Alirio Diaz che hanno concretizzato la storia dello strumento sottraendolo dal concetto di dilettantismo ingiustamente associato per oltre due secoli, Balboni ha agito prevalentemente in una realtà locale, quella della Ferrara del Novecento, laddove l’unica alternativa musicale era rappresentata quasi esclusivamente dalla ancora oggi attiva e pluricentenaria Orchestra a Plettro “Gino Neri”. Ne perfezionò a suo modo lo studio frequentando inizialmente negli anni ‘30 a Bologna il chitarrista liutaio e compositore faentino Luigi Mozzani (1869-1943) da cui apprese diverse lezioni, suonandone anche le famose “Chitarra Lyra”, “Mezza Lyra” e “Aquila” da lui costruite dette a “compensazione”, dotate di tre bordoni supplementari e un innovativo sistema meccanico interno consentendo tramite un’apposita chiave la regolazione dell’ “azione” (altezza delle corde a distanza dalla tastiera) e l’inclinazione del manico a seconda delle preferenze dell’esecutore, discutibili strumenti definiti dal noto chitarrista e didatta contemporaneo Angelo Gilardino nel Manuale di Storia della Chitarra  edizioni Bérben, dei “pessimi mobili in stile liberty”.     Encomiabile esecuzione ancora da parte di Felloni, capace di alternare diversi strumenti tecnicamente assai lontani tra loro, e Zabbari, anch’egli pluristrumentista, di due pagine di Mozzani, Espieglerie e Hereuse Rencontre, utilizzando una chitarra classica costruita dal padre di Balboni, Attilio, e una lyra a nove corde a “un braccio” del medesimo Luigi, chitarrista, compositore e liutaio. Chiusura di “sipario” spostandosi nel primo Novecento francese di Django Reinhardt (1910-1953) con Minor Swing, composto con la collaborazione di Stéphane Grappelli, per chitarra manouche. Avvalendosi di uno strumento costruito da Mario Maccaferri, detto a “spalla mancante” consentendo di giungere nella tastiera alta con maggiore facilità, di nuovo Felloni, Zabbari e ingresso di Bulgarelli finalmente sul palco, ne hanno eseguito un brano davvero “pirotecnico” in uno standard jazz univoco. Completamente senza sezione percussiva, stupisce proprio per quanto riesca a trasportare l'ascoltatore con il ritmo incalzante, iniziando con un intro di chitarra e originariamente violino, intervallato da frasi sempre più aggressive di contrabbasso, per poi abbandonarsi al veloce sincopato ternario del gipsy, fu registrato per la prima volta da “Le Quintette du Hot Club de France” nel 1937 e inciso altre quattro volte, è  considerata una delle composizioni più reinterpretate di tutti i tempi. La parte solista di Reinhardt risultò a dire poco stupefacente, tenendo conto del fatto che il chitarrista svolgeva veloci e precisi fraseggi solo con l'articolazione dell'indice e medio della mano sinistra. Ovazioni per Enchiridion Consort, - (terminologia derivante dal greco egkheirídion significante  letteralmente "che si tiene in mano", ove nel linguaggio comune indica un piccolo manuale tascabile o un compendio contenente le nozioni fondamentali di una determinata materia) - che con tale intento non hanno voluto proporre un semplice concerto ma un vero e proprio viaggio attraverso la cultura musicale emiliana, mettendo in luce aspetti e soggetti risultati dapprima da un’attenta ricerca filologica, giungendo a illustri nomi del nostro territorio con una conclusione divertente dal tono leggendario. E se uno storico aneddoto attribuisce la frase celebre di Fryderyk Chopin “Niente è più bello di una chitarra, eccetto due” da lui pronunciata sembra dopo avere ascoltato il più importante duo chitarristico di allora, formato da Dionisio Aguado e Fernando Sor, i vari duetti per due chitarre qui esposti insieme a tutto il resto ci hanno confermato originali interpretazioni ineccepibili, ben al di là dei consueti comuni programmi canonici riguardanti il liuto, la sei corde in varie versioni e il suo splendido repertorio, trasportandoci in un’altra epoca fatta da insoliti aspetti di rilievo indubbiamente fuori dalle consuetudini.   Crediti fotografici: Edoardo Farina Nella miniatura in alto: il chitarrista Roberto Felloni Sotto: due protagonisti storici della cultura chitarristica ferrarese, Luigi Legnani e Giorgio Balboni Al centro: Roberto Felloni, Davide Zabbari e Cristiano Bulgarelli; Roberto Felloni, Roberto Cattani e Davide Zabbari In fondo: l' Enchiridion Ensemble al completo con Stefano Squarzina (primo a sinistra)       Condividi

Pubblicato il 31 Maggio 2026 Il diciassettene pianista ferrarese ha incantato il numeroso pubblico dei Concerti al Ridotto Giovanni Bergamasco fa sold-out servizio di Edoardo Farina

FERRARA - La programmazione invernale 2025 – primaverile 2026 di “Ferrara Musica al Ridotto” - Giovani interpreti e rare occasioni d’ascolto attraverso l’organizzazione artistica di Dario Favretti autore anche delle varie ed esaustive note di sala allegate a ogni concerto e in parte qui riportate, presso la sala Stemma del Teatro Comunale “Claudio Abbado”, ha visto nello svolgimento della sola prima parte dal mese di ottobre al 21 dicembre ben quindici appuntamenti, più altri ventisette dall’inizio del nuovo anno al mese di maggio a venire, tra cui moltissimi dedicati al pianoforte sia classico che contemporaneo avendo avuto la possibilità di assisterne da parte di eccellenti musicisti proponendo pagine sia tradizionali che moderne in continua evoluzione stilistica e di generi, tramite uno strumento considerato principe della storia della musica. Pianisti di grande notorietà tra i più e meno giovani, alcuni tra i migliori studenti provenienti da vari istituti musicali, altri con maturata esperienza ormai decennale… ma definire la dote artistica di Giovanni Bergamasco, significherebbe limitarla. Figlio d’arte di Carlo Bergamasco (anch’egli noto tastierista, giurista e Direttore Generale del Teatro Comunale “Claudio Abbado”) nato nel 2008 è un talentuoso concertista ammesso precocemente al Conservatorio “Girolamo Frescobaldi” della sua città, Ferrara, e dal 2025 all’Accademia di Imola. Vincitore di numerosi primi premi assoluti in prestigiosi concorsi nazionali e internazionali, vanta una solida formazione perfezionata con masterclass di fama mondiale. Il suo repertorio spazia da Mozart a Ravel, eseguiti come solista con orchestre sinfoniche e in importanti rassegne come Piano City e Piano Estense. Nel 2024 si è aggiudicato un concerto premio a Cracovia, consolidando un’attività concertistica regolare iniziata con la prima esibizione a soli dodici anni. Attualmente sta proseguendo gli studi sotto la guida di Giovanni Bertolazzi e Mauro Minguzzi, confermandosi come una delle promesse del concertismo italiano e internazionale. Tra le date più attese della stagione, il 10 maggio scorso ha avuto come protagonista un esecutore in un viaggio tra tre secoli di letteratura, per un programma di quelli che meglio possono metterne in luce la maturità e il virtuosismo per l’età e non solo, senza eguali. Ma al di là degli autori eseguiti, di normale e difficoltoso repertorio inserito nella forma più classica e nota, ciò che ha portato la sala in sold out è stato sicuramente il nome di un diciassettenne in grado di sbalordire per la capacità dinamica e interpretativa, un po’ come avvenne decenni or sono con Simone Ferraresi, poco più che adolescente (o molto prima ancora… con il piccolo Mozart!) sino a oggi mai più replicatosi tranne che con il talento di Bergamasco, per come è riuscito a catturare una platea incredula davanti alla sua bravura esemplare, ove timidezza ed eleganza nel porsi ma allo stesso tempo disinvoltura, semplicità ma sicurezza esecutiva. L'apertura è stata affidata al genio barocco di Domenico Scarlatti (1685-1757) con la Sonata in Do maggiore K.159, tra le sue invenzioni più celebri, con squilli di fanfara che evocano un'atmosfera venatoria da cui deriva il celebre soprannome di Caccia. In questa pagina il serrato gioco di incroci delle mani e la brillantezza dei ribattuti testimoniano la straordinaria inventiva del compositore napoletano. Il percorso è continuato con la Toccata in Mi minore Bwv 914 di Johann Sebastian Bach (1685-1750), un’opera giovanile di formidabile compattezza, che si dipana tra una libera Introduzione improvvisatoria, un poco “Allegro” rigorosamente fugato, un “Adagio” ricco di ornamentazioni vocali e una poderosa “Fuga” conclusiva a tre voci, dalle difficoltà scontate e sempre imprevedibili come tutta la musica bachiana per qualsiasi strumento. Il recital ha proseguito con Franz Joseph Haydn (1732-1809) e la sua Sonata n.60 in Do maggiore Hob: XVI:50, composta durante l'ultimo soggiorno londinese, dedicata alla virtuosa Therese Jansen; la composizione sfrutta appieno le potenzialità dei nuovi pianoforti dell'epoca, alternando un primo tempo ricco di pause umoristiche e improvvisi contrasti dinamici a un “Adagio” di profonda cantabilità, per concludersi con un finale eccentrico e anch’esso ricco di humor. La seconda parte della mattinata è stata dedicata al giovane Frédéric Chopin (1810-1849) tramite il Rondò in Mi bemolle maggiore op.16: l'Introduzione con l'“Andante” declamato prepara il terreno a un “Allegro” vivace travolgente, dove il polacco massimo esponente del secolo romantico distilla una raffinatezza aristocratica unita a una tecnica digitale vertiginosa. A suggellare il proseguo, sono state le sfumature impressionistiche di Maurice Ravel (1875-1937) con Une barque sur l'océan, terzo tassello della suite Miroirs; ispirato alla fluttuazione dell'acqua e ai riflessi luminosi, il brano richiede un controllo timbrico attento nell’indicazione. D'un rythme souple, trasformando la tastiera in un organismo fluido capace di evocare, tra arpeggi liquidi e accordi evocativi, la solitudine di un’imbarcazione in balia delle correnti oceaniche. Esecuzione di altissimo livello in un momento storico costituito attualmente da centinaia di pianisti protagonisti di svariati recitals con all’attivo pagine che spaziando dalla musica rinascimentale originale per cembalo alla contemporanea, rischiano a volte di saturare le varie proposte presso associazioni e realtà artistiche tra similitudini e comunque diverse interpretazioni. Di conseguenza emergere oggi in un mercato musicale ove presenti spesso numerose doti dalla preparazione didattica e musicalmente esemplare, risulta sempre estremamente difficile… ma trovarsi, senza nulla togliere, di fronte a un talento in grado di essere autentica punta di diamante appartiene indubbiamente a un evento dalla rarità quasi estrema. Occorre, infatti, sottolineare che il livello concertistico è andato considerevolmente aumentando rispetto un tempo quando i maestri sia in Italia come nel resto del mondo che hanno fatto la storia del pianoforte, così come per tutti gli altri strumenti, si contavano sulle dita di una mano. Giovanni Bergamasco sta riuscendo a oltrepassare tale traguardo, affidandosi a studio, passione e costanza, essendosi assicurato in tale modo un posto di rilievo nelle più importanti stagioni teatrali, volendo anche di livello internazionale, senza eguali e con pochissimi precedenti. Chiusura della straordinaria performance avendo creato e destato grandissima attenzione anche al di là dei consueti habitué au théâtre dando prova di estro e abilità espressiva, nella speranza di essere il tutto di buon auspicio riguardo le generazioni a venire, come afferma l’editore musicale Filippo Michelangeli, attento e sensibile a diverse e plurime realtà sociali, di cui riporto felicemente un suo recente pensiero: «Agli adulti e agli anziani che non perdono occasione per dire "... i ragazzi di oggi non si impegnano più, sono buoni a nulla, non sanno sacrificarsi..." io rispondo semplicemente che sono tutte sciocchezze. È pieno di gioventù operosa, seria, studiosa, affettuosa, generosa. Ai giovani diamo il buon esempio. Ci verranno dietro e in molti casi saranno pure meglio di noi.» Crediti fotografici: Marco Caselli Nirmal per Ferrara Musica - Teatro Comunale "Claudio Abbado" Condividi

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