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Ottimo allestimento a Torre del Lago dell'opera western di Puccini. Con dedica alla memoria

Fanciulla nel segno di Antonino Fogliani

servizio di Simone Tomei

Pubblicato il 30 Agosto 2026

TORRE DEL LAGO (LU) - Quando si entra nel mondo de La fanciulla del West è difficile non lasciarsi catturare dalla grandiosità della scrittura di Giacomo Puccini. Nella sua parentesi americana il compositore lucchese sperimenta nuove armonie, nuovi impasti e soluzioni che guardano già alle opere successive, firmando pagine di una bellezza che ancora oggi sorprende per audacia e modernità. Dimitri Mitropoulos, negli anni Cinquanta del Novecento, arrivò a eseguire la partitura senza le voci per far emergere l’autonomia sinfonica dell’orchestra: un esperimento significativo, che per contrasto rende ancora più evidente quanto il rapporto tra orchestra, canto e azione resti decisivo negli equilibri teatrali dell’opera. In La fanciulla del West Puccini sperimenta infatti una nuova idea di teatro musicale: non è soltanto il canto a raccontare la storia, ma è l’orchestra a farsi narratrice, mentre sostiene un impressionante apparato di personaggi formato dai tre protagonisti, dalla moltitudine dei cercatori d’oro e dal coro maschile, immersi in una realtà sociale aspra, virile e spesso brutale. Il canto, inoltre, non si presenta quasi mai disteso nella forma tradizionale della romanza: la voce si piega alla parola scenica e all’azione, mentre le note, le cellule ritmiche e i colori orchestrali suggeriscono ciò che accade e spesso lo anticipano. Ogni incipit ritmico sembra mettere in moto il tempo teatrale, quasi fosse una didascalia sonora che precede o prolunga il gesto scenico. Ne nasce una fantasia ritmica complessa, mobile, continuamente cangiante, tanto da fare della Fanciulla, a mio giudizio, una delle opere tecnicamente più ardue da dirigere. Non è soltanto una questione di precisione: bisogna tenere insieme una moltitudine di elementi, dare respiro all’orchestra senza consentirle di schiacciare le voci, sostenere il palcoscenico e nello stesso tempo restituire l’autonomia di una scrittura strumentale raffinatissima. Non sorprende, allora, l’attenzione riservata a questa partitura da musicisti di primo piano: Maurice Ravel ne raccomandava lo studio e Anton Webern, in una lettera al proprio maestro Arnold Schönberg, ne elogiava la strumentazione. Sabato 29 agosto il Festival Puccini di Torre del Lago ha affidato proprio a questo titolo, tra i più ostici e insieme più seducenti del catalogo pucciniano, il congedo della propria edizione 2026: un finale di stagione tutt’altro che scontato per un’opera che, debuttata al Metropolitan di New York il 10 dicembre 1910, ancora oggi conserva qualcosa di sfuggente e di modernissimo: non il Puccini delle grandi arie da ricordare e portare a casa, ma un teatro costruito per accumulo, per continui impulsi ritmici, per un fraseggio che nasce dall’azione. È dentro questa materia tutt’altro che docile che il M° Valerio Galli ha dovuto misurarsi con la partitura, chiamato all’ultimo momento a sostituire l’indisposto Daniel Oren. Il direttore toscano ha risposto alla chiamata con mestiere e attenzione, soprattutto nei passaggi in cui Puccini frammenta la linea melodica e la consegna a un’orchestra che deve sembrare un organismo unico. In Fanciulla non basta accompagnare le voci: bisogna respirare con esse, seguire ciò che avviene sulla scena e lasciare che la buca partecipi direttamente alla costruzione drammatica. Galli ha seguito questa logica con una lettura vigile, curando gli attacchi, le dinamiche, la mobilità del fraseggio e la varietà degli impasti timbrici. Particolarmente riuscita è la restituzione di quel “colore locale” musicale che in Puccini cambia geografia ma non funzione. Come in Madama Butterfly e, più tardi, in Turandot, anche qui un mondo lontano dalla tradizione europea diventa materia sonora; soltanto che questa volta è l’America a entrare nella partitura. Affiorano melodie di ascendenza indiana, ragtime, sincopi, canti popolari e inflessioni locali che danno alla musica un timbro immediatamente riconoscibile. Non si tratta di semplici ornamenti esotici: questi elementi concorrono alla definizione dell’ambiente e della psicologia collettiva. Galli ne valorizza le diverse componenti con un lavoro di cesello, mantenendo una solida intesa con gli strumentisti e con le voci e riuscendo in quella non semplice quadratura del cerchio nella quale energia ritmica, trasparenza orchestrale e sostegno al canto devono convivere. La serata ha assunto però anche una tonalità più dolorosa per la notizia, arrivata proprio il 29 agosto, dell’improvvisa scomparsa del M° Antonino Fogliani: il Festival Puccini lo aveva visto sul podio soltanto un mese prima, il 25 luglio, per una recita di Bohème che, senza che nessuno potesse immaginarlo, si è rivelata il suo ultimo impegno artistico a Torre del Lago. La Fondazione Festival Puccini ha voluto ricordarlo affidando all’Orchestra la pagina pucciniana dei Crisantemi. È stato un momento breve e potentissimo, accolto da un pubblico commosso e partecipe, consapevole di assistere non soltanto a un omaggio, ma al saluto a un musicista la cui scomparsa ha colpito profondamente il mondo della lirica internazionale. Per qualche minuto il teatro ha assunto un’altra dimensione: la musica è diventata memoria.         L’allestimento di questa Fanciulla del West firmato da Angelo Bertini per regia e scene, con i costumi di Bianca Bertini e le luci di Valerio Alfieri, sceglie una linea tradizionale e sostanzialmente fedele all’ambientazione suggerita dal libretto di Guelfo Civinini e Carlo Zangarini. È una scelta che non cerca l’aggiornamento a tutti i costi e che proprio per questo lascia respirare la vicenda. La Sierra californiana prende corpo attraverso grandi sequoie innevate, che dominano il palcoscenico quasi come una cattedrale naturale, mentre le costruzioni umane, la Polka e gli altri elementi della frontiera appaiono volutamente fragili e provvisori. L’ambiente resta coerente con il libretto e sostiene la narrazione senza sostituirsi ad essa. La frontiera di Bertini non è soltanto geografica, ma diventa frontiera dello spirito, uno spazio nel quale colpa, perdono e redenzione si incrociano continuamente. La Polka, il saloon nel quale si raccoglie la comunità dei minatori, assume quasi il carattere di una chiesa non consacrata: è lì che Minnie legge la Bibbia a uomini ruvidi e soli e introduce un’idea di perdono estranea alla legge del West. La grande croce innevata attraversa i tre atti come un segno simbolico, una sorta di faro etico che contrasta la violenza della comunità. Anche la tempesta di neve del secondo atto non rimane semplice sfondo, ma invade concretamente la scena e accompagna la celebre partita a poker, nella quale Minnie bara per salvare Johnson. Il finale, poi, rifiuta qualsiasi soluzione consolatoria: la partenza dei due protagonisti lascia i minatori soli, privati di quella donna che per loro era stata madre, maestra e guida. Un commiato sospeso e malinconico che rende ancora più evidente la modernità del teatro pucciniano. Ed è proprio qui che la protagonista trova il proprio spazio naturale: il soprano Anna Pirozzi affronta Minnie con una sicurezza che si impone fin dalle prime battute. Il suo è un canto sempre a fuoco, nitido, cristallino e deciso, sostenuto da un volume notevole ma governato con intelligenza. Le difficoltà della tessitura vengono attraversate con sicurezza e senza ostentazione. Minnie non è un ruolo semplice da abitare: Puccini non le concede una grande aria nel senso tradizionale, ma dissemina lungo l’opera una quantità di momenti solistici che richiedono una tempra vocale fuori del comune, alternando il canto d’insieme, il declamato e aperture liriche improvvise. La forza della sua interpretazione sta soprattutto nel non fermarsi alla Minnie energica e determinata. Nei momenti più intimi emerge una ragazza capace di candore e di abbandono. Nel dialogo del primo atto con Jack Rance, in Laggiù nel Soledad, la musica si fa poesia e la voce acquista una qualità struggente; lo stesso accade in Io non son che una povera fanciulla, dove la passione ha ormai avuto la meglio sull’apparente rudezza della giovane donna. Sono pagine nelle quali il lirismo non è una parentesi, ma la rivelazione della parte più fragile e autentica del personaggio. Poi la tensione raggiunge il culmine nel finale del secondo atto, nella grande scena della partita a poker, vero banco di prova anche sul piano scenico dove l’artista deve far coincidere canto, recitazione e azione, trasformando ogni battuta in una mossa della strategia con cui Minnie tenta di salvare Johnson. Voce e gesto procedono insieme e la vocalità, omogenea lungo tutta l’estensione, conserva spessore e al tempo stesso una notevole duttilità. È forse qui che la Minnie della Pirozzi trova la misura più completa, fra grinta, fragilità, autorità e abbandono. Roberto Aronica, chiamato a subentrare a Yusif Eyvazov nel ruolo di Dick Johnson, alias Ramerrez offre un contraltare di peso. La voce è salda, generosa, schietta, a tratti leggermente ruvida ma sempre ben a fuoco, capace di gestire i volumi e di delineare i diversi colori del personaggio. Fin dalle prime battute, Chi c’è, per farmi i ricci?, emerge una sicurezza quasi spavalda, adatta alla fibra nerboruta del bandito; ma Johnson non può restare soltanto il fuorilegge dal passato ingombrante. Sotto quella superficie deve comparire l’uomo che tenta di cambiare vita e cerca nell’amore una possibilità di riscatto. Aronica riesce a dare forma a entrambe le dimensioni. Nei passaggi più concitati prevale la fibra del tenore, mentre nelle pagine più liriche il canto si distende, trovando nel fiato e nella parola un’altra misura espressiva. Ch’ella mi creda libero e lontano riassume la conversione del personaggio e diventa uno dei momenti più riusciti della serata: il legato è ben sostenuto, il fraseggio elegante e l’accento privo di enfasi gratuita. La pagina arriva al cuore proprio perché non viene forzata. Claudio Sgura, nei panni dello sceriffo Jack Rance, evita a sua volta la caricatura del cattivo da melodramma. Rance è duro, cinico, possessivo e pienamente consapevole del potere che esercita, ma Sgura lo affronta in maniera più sottile, senza cedere all’atteggiamento rude e truculento che potrebbe essere la soluzione più immediata. Preferisce un’eleganza scenica e interpretativa misurata, ma non per questo meno efficace, sostenuta da un canto sempre a fuoco, da un’intonazione sicura e da un pieno dominio delle dinamiche. Il risultato è un Rance che inquieta proprio perché non esibisce continuamente la propria violenza. Quando la vocalità si rasserena, il canto può diventare persino più cinico, quasi beffardo, e proprio qui emerge l’arguzia interpretativa di Sgura. Ne esce un antagonista caparbio, vendicativo e pienamente consapevole del proprio potere nel quale il desiderio per Minnie si confonde con un senso di possesso e con l’incapacità di accettare la sconfitta. Intorno ai tre protagonisti si muove una compagnia numerosa e ben assortita, elemento indispensabile in un’opera nella quale la collettività dei minatori è parte integrante della drammaturgia. Paolo Antognetti è un Nick efficace e presente, Volodymyr Morozov offre ad Ashby la necessaria autorevolezza, Sergio Vitale dà consistenza e anima a Sonora e Andrea Galli veste i panni di Trin. Con loro Paolo Ingrasciotta come Sid, David Cosa Garcia come Bello, Nicola Pamio come Harry, Cristiano Olivieri come Joe, Matteo Mollica come Happy, Hayk Tigranyan come Larkens e Adriano Gramigni come Billy Jackrabbit. Alessandra Della Croce è Wowkle, Min Kim è Jake Wallace, mentre Diego Maffezzoni e Murat Can Güven completano il cast nei ruoli di José Castro e del Postiglione. Sempre importante il contributo del Coro del Festival Puccini, preparato dal M° Marco Faelli, quella massa maschile che non è mai semplice fondale sonoro ma parte viva della scena. Come ultimo titolo del Festival Puccini 2026, La fanciulla del West lascia infine un’impressione che va oltre il successo della serata. Il finale non è un trionfo senza ombre: Minnie e Johnson possono allontanarsi verso una nuova vita, ma i minatori restano privati della donna che per loro era diventata guida, maestra, quasi madre e soprattutto coscienza, come anche precedentemente sottolineato: la salvezza dei due protagonisti coincide con una perdita collettiva e il commiato assume così una malinconia che appartiene profondamente al teatro pucciniano. Quando si spengono definitivamente le luci, grandi ovazioni per tutti, in un autentico tripudio di applausi. È il saluto a una serata riuscita e, insieme, il congedo di un’edizione del Festival che affida proprio alla Fanciulla del West la sua ultima parola. Oltre all’entusiasmo finale rimane la forza di una partitura nella quale Puccini porta il melodramma verso un territorio nuovo: un’opera in cui l’orchestra non si limita ad accompagnare la voce, ma racconta, commenta, anticipa e talvolta sembra sapere già ciò che la scena deve ancora rivelare. Una Fanciulla che continua così a mostrare, senza bisogno di retorica, quanto moderno e vivo possa essere ancora oggi il teatro di Giacomo Puccini. (La recensione si riferisce alla recita del 29 agosto 2026) Crediti fotografici: Giorgio Andreuccetti per il Festival Puccini 2026 Nella miniatura in alto: il soprano Anna Pirozzi (Minnie) Al centro, in sequenza: scena della cattura di Ramerrez (al secolo, Roberto Aronica); ancora Roberto Aronica (Ramerrez o Dick johnsson); poi Claudio Sgura (Jack Rance) con Anna Pirozzi; e ancora Claudio Sgura e Roberto Aronica Sotto, in sequenza: belle panoramiche di Giorgio Andreuccetti su azione, scene e costumi di Fanciulla del West andata in scena al Festival Puccini 2026  Condividi

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